Arte americano

Arte americano, el arte de las colonias norteamericanas y de los Estados Unidos.


Período colonial

En el siglo XVII las colonias norteamericanas no disfrutaron ni de la riqueza ni del ocio para cultivar extensamente las bellas artes. Los artesanos coloniales que trabajaban en peltre, plata, vidrio o textiles seguían de cerca los modelos europeos. Los artistas del siglo XVII, generalmente desconocidos por su nombre, hicieron retratos ingenuos pero a menudo encantadores en el estilo isabelino, el estilo barroco holandés o el estilo de la corte barroca inglesa, dependiendo de los antecedentes europeos tanto del artista como del mecenas.

Los pintores de retratos alternaban el plafón con el entrenador y la pintura de carteles u otros tipos de artesanía, e incluso en el siglo XVIII. Rara vez era posible ganarse la vida trabajando solo en la pintura. Incluso el reconocido orfebre Paul Revere también convirtió sus talentos en el grabado comercial y en la fabricación de dientes postizos. La artesanía en general siguió modelos ingleses, holandeses y bávaros, aunque en muebles aparecieron algunas variaciones en el trabajo de talentosos artesanos como Samuel McIntire y Duncan Phyfe.

En la primera mitad del siglo XVIII. una creciente demanda de pintura de retratos atrajo a artistas como John Smibert, Peter Pelham y Joseph Blackburn de Inglaterra, Gustavus Hesselius de Suecia, Jeremiah Theus de Suiza y Pieter Vanderlyn de Holanda. Joseph Badger, Robert Feke, Ralph Earle, John Trumbull y Charles Willson Peale no se alejaron mucho de la tradición del retrato inglés del siglo XVIII, pero a pesar de cierta torpeza provincial, su trabajo a menudo es más vigoroso. En los primeros trabajos de John Singleton Copley, este vigor se combina con un gran talento nativo.

Otro pintor estadounidense del siglo XVIII, Benjamin West, se estableció en Londres y se convirtió en pintor del rey y presidente de la Real Academia. Aunque su formación y práctica fueron europeas, su estudio se convirtió en la meca de los pintores estadounidenses que durante medio siglo estudiaron para él. Su enseñanza de la pintura histórica no les sirvió de mucho en su regreso a América, donde había poca demanda para tal trabajo. Gilbert Stuart, sin embargo, emergió de su tutela un magnífico pintor de retratos y, después de obtener éxito en Inglaterra, regresó a América, donde ejecutó una larga serie de retratos famosos y encantadores y estableció un estándar rara vez superado en los Estados Unidos.

De todas las artes, la escultura fue probablemente la menos cultivada en las colonias. Además de los talladores anónimos de lápidas y los mascarones de proa de los barcos, William Rush es casi el único escultor nativo conocido que haya practicado en los tiempos prerrevolucionarios y principios del Federalismo.


De la revolución a la guerra civil

El período desde el nacimiento de la república hasta la Guerra Civil no vio un gran aumento en la demanda de bellas artes. Los primeros pintores como Washington Allston, Samuel FB Morse, John Vanderlyn y John Trumbull, que buscaban un mercado en América para la pintura histórica a la manera neoclásica de Jacques-Louis David, se desilusionaron rápidamente. La pintura de retrato por sí sola proporcionó el importante mecenazgo de hombres como Mather Brown, Henry Benbridge, Edward Savage, Thomas Sully, John Neagle, Chester Harding y los miniaturistas Edward G. Malbone y John Wesley Jarvis. Su trabajo expresó la energía y la confianza en sí mismos de los constructores de la nueva nación estadounidense.

Este período también vio el ascenso gradual de una serie de excelentes pintores de género : Henry Inman, William Sidney Mount, Richard C. Woodville, David G. Blythe, Eastman Johnson y George Caleb Bingham. Estos fueron los primeros pintores de la escena estadounidense. Además, JJ Audubon creó una serie extraordinaria y detallada de pinturas de aves americanas. Es significativo que tuvo que ir a Inglaterra para el reconocimiento y la publicación de su trabajo. John Quidor pintó escenas y figuras legendarias de las obras de James Fenimore Cooper y Washington Irving.

La primera mitad del siglo XIX. fue testigo del desarrollo de la primera escuela de pintura paisajista estadounidense. Thomas Doughty y Thomas Cole dirigieron la escuela del río Hudson, que fue continuada por Asher B. Durand, John F. Kensett y Frederick E. Church. La tierra y los pueblos al oeste del Mississippi fueron descritos en pinturas de George Catlin, Charles M. Russell y Seth Eastman, y en vistas panorámicas del paisaje por Albert Bierstadt y Thomas Moran (ver bajo Moran, Edward ). El trabajo de estos hombres mostró una respuesta directa a la naturaleza que nunca dejó de ser un factor importante en el arte estadounidense. Ver luminismo.

Además, la característica pasión estadounidense por los objetos representados de manera realista encontró una notable expresión en las pinturas de William Harnett y John F. Peto, y anteriormente en las obras de naturaleza muerta de la familia Peale. La tensión del primitivismo, primero evidente en los limners, era más pronunciada y popular a principios del siglo XIX. con obras de Edward Hicks y Erastus Salisbury Field ; fue continuada por la abuela Moses y Horace Pippin en el siglo veinte.

En escultura, el retrato proporcionó la principal fuente de mecenazgo. John Frazee y Hezekiah Augur con poco entrenamiento produjeron un trabajo enérgico y original en mármol y madera. Horatio Greenough comenzó la larga tradición del escultor estadounidense formado en Italia, donde pronto lo siguieron Thomas Crawford, Hiram Powers y Harriet Hosmer. Los escultores estadounidenses en Italia fueron muy influenciados por el neoclásico danés AB Thorvaldsen. Las obras de gran originalidad fueron producidas por Clark Mills, Thomas Ball y, en particular, por William Rimmer, cuya escultura no titulada fue enormemente poderosa.

John Trumbull, La muerte del general Montgomery en el ataque a Quebec, 31 de diciembre de 1775.
John Trumbull, La muerte del general Montgomery en el ataque a Quebec, 31 de diciembre de 1775. Galería de Arte de la Universidad de Yale.


Después de la Guerra Civil

Al pintar el período posterior a la Guerra Civil, que fue uno de patrocinio sin precedentes para las artes de fuentes gubernamentales y privadas, produjo obras de valor perdurable y una sorprendente individualidad. Entre los muchos artistas destacados de este período, James McNeill Whistler, Albert Pinkham Ryder, Thomas Eakins y Winslow Homer crearon obras que se encuentran entre los mejores logros del arte estadounidense. Si bien fueron contemporáneos, estos cuatro son sorprendentemente diferentes. Whistler, un expatriado, cultivó un delicado arte de la sugestión en sus óleos y grabados, acercándose a los efectos del impresionismo francés. Ryder produjo un arte visionario de profundo impacto emocional. Eakins pintó retratos comprensivos de extraordinaria visión psicológica y honradez sin concesiones. Las acuarelas de Homero se encuentran entre las interpretaciones más fuertes del paisaje puro y el paisaje marino jamás pintado.

Este período también vio un mayor desarrollo del paisaje romántico en las obras de George Inness, Alexander H. Wyant, Homer D. Martin y Ralph Blakelock. En Inness, y tal vez incluso más en William Morris Hunt, la influencia de la escuela de Barbizon fue traída a los Estados Unidos. Aunque la influencia francesa había comenzado a suplantar al alemán, el trabajo de los pintores William M. Chase y Frank Duveneck reflejaba las corrientes contemporáneas en Munich, ya que los pintores de género anteriores habían reflejado la influencia de los artistas en Düsseldorf. Los murales religiosos y las vidrieras de John La Farge establecieron un nuevo estándar para estas artes.

John Singer Sargent, trabajando principalmente en Inglaterra, se destacó en el retrato de la sociedad, y Elihu Vedder y Edwin Abbey en la ilustración. Al final del siglo XIX y el comienzo del 20, John Twachtman, Childe Hassam, Ernest Lawson y Mary Cassatt, así como artistas estadounidenses menos conocidos como Willard Metcalf (1858-1925) trabajaron bajo la influencia directa del impresionismo francés. Mientras tanto, bajo la misma influencia, Maurice Prendergast creó imágenes originales, audazmente coloridas de escenas urbanas pasajeras. En una veta completamente diferente, escenas de la vida realistas, si bien un tanto románticas, en el oeste de Estados Unidos fueron pintadas por varios artistas-ilustradores, los más destacados fueron Frederick Remington y CM Russell.

En la escultura después de la Guerra Civil hubo una mayor demanda de trabajo conmemorativo. Escultores notables en la tradición monumental incluyen a John Quincy Adams Ward y Daniel Chester French. El taller de John Rogers produjo pequeñas figuras y grupos de género que se hicieron populares. Más tarde, los pequeños bronces de Remington extendieron el tema del realismo nativo hacia el oeste para incluir al vaquero. Las tendencias neoclásicas dominaron en el trabajo de Olin Warner y Augustus Saint-Gaudens, quienes estudiaron en París.


El siglo XX

Entre los escultores estadounidenses de principios del siglo XX, Paul Bartlett, Karl Bitter, Frederick MacMonnies, George Barnard y Lorado Taft exhibieron un conflicto continuo entre modos de representación naturalistas e idealizados. Un desarrollo cultural significativo de la época fue la fundación y expansión de museos estadounidenses, cuyas colecciones fueron importantes para el estudiante de arte y el público en general. Bajo el ímpetu de las nuevas técnicas de reproducción, floreció el arte de la ilustración. El trabajo de Edwin Abbey, Arthur Frost y Howard Pyle fue sobresaliente, apareciendo en Harper's y en muchas otras revistas ilustradas y libros.

Lo más importante, en el siglo 20. El arte estadounidense recurrió a la explotación de nuevas técnicas y nuevos modos de expresión. La estética del diseño funcional de la máquina influyó fuertemente en todas las artes. Mientras tanto, el desarrollo de la fotografía obligó a una reevaluación de la naturaleza representativa de la pintura, y las capacidades formales y expresivas del arte europeo moderno abrieron nuevos campos para el artista estadounidense.

A principios de siglo, Robert Henri, John Sloan y George Luks encabezaron un vigoroso movimiento hacia el realismo en el tema y la libertad en la técnica. Con William Glackens, Everett Shinn y otros, formaron el Ocho, un grupo también conocido como "Ash-can School." Intentaron comunicar algo de la realidad de la vida cotidiana a través del arte. Al mismo tiempo, Alfred Stieglitz ofreció a Estados Unidos primeros atisbos de obras fauves y cubistas de Europa y exhibió pinturas abstractas de estadounidenses como Max Weber, Marsden Hartley y John Marin en su revolucionaria Galería 291 de fotografías y pinturas contemporáneas.

Grant Wood, American Gothic (1930), Instituto de Arte de Chicago.
Grant Wood, American Gothic (1930), Instituto de Arte de Chicago.

Toda la fuerza del modernismo europeo se presentó a los estadounidenses conmocionados en el famoso Armory Show de 1913 en la ciudad de Nueva York, que fue organizado por artistas estadounidenses como Arthur B. Davies y Walt Kuhn. Bajo la influencia de esta exposición, los primeros trabajos de estadounidenses como Joseph Stella, Yasuo Kuniyoshi, Charles Demuth y Stuart Davis revelaron nuevas tendencias abstractas. George Bellows y Rockwell Kent siguieron siendo realistas populares, y Edward Hopper y Charles Burchfield desarrollaron un realismo más conmovedor e intensamente personal. John Marin captó la imponente amplitud de la naturaleza en sus acuarelas, mientras que Georgia O'Keeffe y Charles Sheeler combinaron el realismo con diversos grados de diseño formal preciso.

Mientras tanto, Peter Blume, Ivan Albright y Edwin Dickinson desarrollaron estilos realistas y surrealistas diferentes y complejos. Una actitud chovinista de la escena estadounidense floreció bajo Thomas Hart Benton y Grant Wood a principios de la década de 1930, mientras que en la misma década y la década de 1940 surgió un arte realista más consciente socialmente en la obra de Ben Shahn, Philip Evergood, Reginald Marsh, Jacob Lawrence, Isabel Bishop, y Raphael y Moses Soyer. Varios años más tarde, esta conciencia social recibió una amarga expresión en las pinturas de Jack Levine.

El patrocinio gubernamental de las artes durante los años de la Gran Depresión en la Sección de Bellas Artes del Departamento de Hacienda y el Proyecto de Arte Federal de Works Progress Administration permitieron a muchos artistas continuar trabajando, embelleciendo muchos edificios públicos con murales y creando obras más pequeñas. para exhibición en instituciones públicas. La Administración de Seguridad Agrícola apoyó la documentación fotográfica de América rural, un proyecto que empleó a varios fotógrafos destacados y dio como resultado un retrato en movimiento de Estados Unidos en crisis. La Segunda Guerra Mundial trajo una afluencia de pintores europeos que iban a influir en el curso del arte estadounidense. Incluyeron a Joan Miró, Salvador Dalí, Max Ernst e Yves Tanguy.

Una tradición realista continua en la escultura estadounidense produjo obras en estilos tradicionales durante los años 1920 y 1930. Entre estos se encuentran el enorme Monte Gutzon Borglum. Monumento Rushmore, las figuras clasicistas de Paul Manship y los atletas y trabajadores naturalistas de Mahonri Young. No obstante, la tendencia dominante de la escultura nacional fue hacia el diseño abstracto y la forma expresiva, una tendencia a la que William Zorach, Gaston Lachaise y, más tarde, Leonard Baskin contribuyeron con la obra figurativa. Alexander Calder fue pionero en el uso de formas metálicas soldadas móviles, agregando movimiento como una nueva dimensión en la escultura.

En la pintura de 1945 a 1960, el trabajo de todos menos de los realistas más intensivos, como Andrew Wyeth, tendía cada vez más a la abstracción. Artistas tales como Arshile Gorky, Mark Rothko, Morris Graves, Mark Tobey y Helen Frankenthaler desarrollaron y emplearon la abstracción en obras de contenido simbólico altamente personal, mientras que pintores como Jackson Pollock, Willem de Kooning, Adolph Gottlieb y Franz Kline crearon una e imágenes únicas que hicieron que la pintura estadounidense fuera una influencia dominante en el arte mundial (ver el expresionismo abstracto ). En esculturas de los años 40 y 50, David Smith, Theodore Roszak, Herbert Ferber, Isamu Noguchi y Richard Lippold explotaron vigorosamente el juego libre de formas abstractas en luz y espacio y el uso de nuevos materiales.

El movimiento del arte pop de los años 50 y 60 utilizó una estética basada en los artefactos producidos en masa de la cultura urbana, rechazando los conceptos de belleza y fealdad. Sus principales practicantes incluyeron a Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Jasper Johns y Robert Rauschenberg. Otros estilos no objetivos de pintura y escultura florecieron al mismo tiempo que el arte pop durante la década de 1960, incluido el arte óptico, el minimalismo y la pintura de campo de color.

Ninguna escuela o estilo ha dominado el arte estadounidense en la segunda mitad del siglo XX, ya que los artistas han buscado numerosas formas de expresión individual. La abstracción escultórica fue desarrollada en direcciones individuales por John Chamberlain, Eva Hess, Carl Andre, Louise Nevelson y Tony Smith; la escultura minimalista en particular fue desarrollada por Donald Judd. Los desarrollos posmodernos en pintura y escultura incluyen el fotorrealismo, el conceptualismo, el neoexpresionismo, el ensamblaje, el land art y el performance y el arte de procesos (ver arte de performance, ver también arte contemporáneo ).

La ascendencia de mujeres y artistas minoritarios desde la década de 1970 ha estado marcada por el esencialismo, la afirmación de la herencia o circunstancia social distintiva del artista, que favorece un punto de vista presentado típicamente como fuera de la corriente principal del arte contemporáneo. Las imágenes que sugieren la anatomía y la sexualidad femeninas han sido fundamentales para las obras de Judy Chicago ; una toma de conciencia de los estereotipos de las mujeres afroamericanas ha informado dibujos e instalaciones de Adrian Piper. Jenny Holzer en su trabajo ha hecho un uso extensivo de la palabra impresa.

No se puede decir que una sola tendencia haya dominado el arte estadounidense en las últimas décadas del siglo XX. Sin embargo, en general, el arte estadounidense en los años 80 y 90 vio una mayor presencia de palabras como enunciado e imagen, así como un uso ampliado de la fotografía, el collage y una variedad de otros medios. También caracterizó estas décadas el eclecticismo en materiales e imágenes, combinaciones de pintura y escultura en obras únicas, una tendencia hacia el uso de lo irónico, una reaparición de realismo y un mayor uso de "préstamos" de otros períodos y obras de arte.

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