Arte chino
Arte chino, obras de arte producidas en la vasta región geográfica de China. Es el arte más antiguo del mundo y tiene sus orígenes en la remota antigüedad.
Primeros períodos
Las culturas neolíticas produjeron muchos artefactos, como cerámica pintada, herramientas de hueso y adornos, y tallas de jade de un diseño sofisticado. Las excavaciones en B'ei-li-kang cerca de Luo-yang datan de los materiales hallados en ese sitio hasta el 6000-5000 aC Una excavación a principios de los años 70 de la tumba real de Shih-huang Ti reveló una serie de imágenes funerarias de terracota. En Henan, el pueblo de Yang-shao dio su nombre a una cultura que floreció del 5000 al 3000 a. C. Las artesanías de cerámica de Ban-p'o fueron hechas a mano y el área produjo una cerámica roja pulida que fue pintada en negro con diseños de espirales y diseños geométricos, a veces con caras humanas. Más tarde, en Ma-jia-yao en Gansu, la cerámica pintada con brocha se hizo más sofisticada en el manejo del diseño. El conocimiento del arte chino antiguo se limita principalmente a las obras de cerámica, bronce, hueso y jade.
Las primeras dinastías: Bronces rituales
Durante la dinastía Shang (c.1750-1045 aC), se creó una parte del arte más extraordinario de China: sus bronces rituales. Fundidos en moldes, estas vasijas de sacrificio muestran desarrollos estilísticos que comenzaron con los primeros bronces en Erh-li-tou y alcanzaron su ápice en Anyang, la capital Shang, donde las excavaciones han producido numerosos vasos rituales de bronce que indican una cultura altamente avanzada en el Dinastía Shang en el segundo milenio. El arte de la fundición en bronce de este período es de tan alta calidad que sugiere un largo período de experimentación previa.
Los bronces rituales representan el registro más claro existente de desarrollo estilístico en las dinastías Shang, Chou y Early Han. El adorno de los bronces varía desde la incisión más exigua hasta el adorno plástico más recargado y desde las representaciones más severamente abstractas a algunas naturalistas. La dinastía Han posterior marca el final del desarrollo de este arte, aunque se siguió produciendo bronce altamente decorado, a menudo con un tratamiento magistral de incrustaciones de metal y piedra.
Arte budista
El advenimiento del budismo (siglo I dC) introdujo el arte de un personaje diferente. Se crearon obras de escultura, pintura y arquitectura de una naturaleza más claramente religiosa. Con el budismo, la representación del Buda y de los bodhisattvas y las figuras asistentes se convirtió en el gran tema de la escultura. Las formas de estas figuras llegaron a China desde India a través de Asia central, pero en el siglo sexto. AD los artistas chinos lograron desarrollar un estilo nacional en escultura. Este estilo alcanzó su mayor distinción al principio de la dinastía T'ang. Las figuras, hermosas en proporción y elegantes en gesto, muestran gran precisión y claridad en la representación de la forma, con un predominio de ritmos lineales.
Poco a poco la moderación del siglo VII. dio paso a un trabajo más dramático. Los principales sitios de arte budista en los templos de las cuevas son Donghuang, Lung-men, Yun-kang, Mai-chi-shan y Ping-ling-ssu. Durante aproximadamente 600 años la escultura budista continuó floreciendo; luego, en la dinastía Ming, la escultura dejó de desarrollarse con estilo. Después de este tiempo, la escultura en miniatura en jade, marfil y vidrio, de exquisita artesanía pero carente de vitalidad de inspiración, se produjo en China (y también se hizo en Japón).
Pintura china desde el siglo quinto
Todavía se conservan pequeñas pinturas de los primeros períodos, excepto en cerámica, laca y azulejos, y decoraciones de tumbas en Manchuria y Corea del Norte. Es solo desde el 5to centavo. AD que se puede rastrear un claro desarrollo histórico. Cerca de Dunhuang, más de un centenar de cuevas (llamadas las Cuevas de los Mil Budas) contienen pinturas murales budistas y pergaminos que datan principalmente de finales del siglo V al siglo VIII. Muestran formas hieráticas simples y primitivas de Buda y de los bodhisattvas y más tarde escenas abarrotadas de paraíso. Los elegantes motivos decorativos y ciertos elementos figurativos revelan una influencia occidental.
Se desarrolló un sistema altamente organizado de representación de objetos en el espacio, bastante diferente de la perspectiva occidental post-renacentista. La representación de los efectos naturales de la luz y la sombra está casi ausente en este arte, cuya mayor fortaleza es su incomparable dominio de la línea y la silueta. Uno de los primeros artistas sobre los que se sabe algo es el maestro Ku K'ai-chih, del siglo IV, que se dice que se destacó en el retrato.
El arte de la pintura figura alcanzó un pico de excelencia en la dinastía T'ang (618-906). Los temas históricos y las escenas de la vida cortesana fueron populares, y la figura humana fue retratada con una robustez y monumentalidad sin igual en la pintura china. Los sujetos animales también fueron frecuentemente representados. El artista del siglo octavo Han Kan es famoso por su pintura de caballos. La dinastía T'ang también vio el surgimiento del gran arte de la pintura paisajística china. Picos altos y escarpados fueron representados, con arroyos, rocas y árboles cuidadosamente detallados en brillantes pigmentos minerales de color verde y azul. Estas pinturas generalmente se ejecutaban como dibujos de pincel con lavados de color. Poco o nada queda del trabajo de maestros tan famosos como Yen Li-pen, Wu Tao-tzu, Wang Wei y Tung Yuan de las Cinco Dinastías.
En la dinastía Sung (960-1279) la pintura de paisaje alcanzó su máxima expresión. Se concibió un esquema de la naturaleza amplio pero ordenado, que refleja las visiones contemporáneas del taoísmo y el confucianismo. Fuertemente disminuida en escala, la figura humana no se inmiscuyó en la magnitud de la naturaleza. La técnica de tinta monocromática se desarrolló con gran habilidad; con la mayor economía de medios pictóricos, se crearon sugerencias de estado de ánimo, atmósfera brumosa, profundidad y distancia. Durante la dinastía Sung, el detalle monumental comenzó a emerger. Un solo brote de bambú, una flor o un pájaro proporcionaron el tema para una pintura. Entre los que se destacaron en la pintura de flores fue el emperador Hui-tsung, que fundó la academia imperial. Cientos de pintores contribuyeron a su gloria, incluidos Li T'ang, Hsia Kuei y Ma Yuan. Los miembros de la secta Ch'an (Zen) del budismo ejecutaron pinturas, a menudo provocadas por una visión intuitiva. Con rápidas pinceladas y salpicaduras de tinta, crearon obras de vigor y espontaneidad.
Con el ascenso de la dinastía Yuan (1260-1368) la pintura alcanzó un nuevo nivel de logro, y bajo el dominio mongol muchos aspectos cultivados en el arte Sung fueron llevados a la culminación. La figura humana asumió una mayor importancia, y la pintura de paisaje adquirió una nueva vitalidad. La superficie de las pinturas, especialmente el estilo y la variedad de pinceladas, se hizo importante. Las composiciones de bodegones cobraron mayor prominencia, especialmente la pintura de bambú. Durante este tiempo, mucha literatura fue producida por los literatos, caballeros eruditos que pintaron para su propio disfrute y auto superación.
Bajo algunos de los emperadores de la dinastía Ming (1368-1644) se fomentó el renacimiento del aprendizaje y de las tradiciones artísticas más antiguas, y se desarrolló un conocimiento profundo. Estamos en deuda con los coleccionistas de arte Ming por la preservación de muchas pinturas que han sobrevivido hasta nuestros días. Los cuadros de aves y flores exhibieron las magníficas cualidades decorativas tan familiares para Occidente. Shen Chou, Tai Chin, Wen Cheng-ming, T'ang Yin y Tung Ch'i-ch'ang son solo algunos de los muchos grandes maestros de este período.
Bajo la dinastía Ch'ing (1644-1912) se mantuvo un alto nivel de competencia técnica, particularmente en las artes aplicadas, hasta el siglo XIX, cuando la producción se volvió mucho más limitada. Los famosos cuatro Wang imitaron a los grandes maestros de Yuan. Entre los pintores menos ortodoxos, Shih-T'ao y Chu Ta sobresalieron como artistas de notable visión personal. Sin embargo, hubo poca innovación en la pintura. A lo largo de la historia de la pintura china ha prevalecido una característica: el manejo consumado de la pincelada. Las pinturas se ejecutaron en una técnica de pincel seco o húmedo, con una increíble versatilidad que abarca desde patrones de remolinos hasta puntos de staccato.
Caligrafía y artes menores
El dominio de la pincelada estaba directamente relacionado con la caligrafía, tradicionalmente considerada por los chinos como la forma de arte más elevada. Maestros de la caligrafía como Wang Hsi-chih (c.303-361) y su hijo fueron venerados y sus obras fueron copiadas por la perfección de su escritura. La dependencia de las técnicas caligráficas en la pintura posterior, sin embargo, produjo un arte estéril de fórmulas sobrecargadas en la pintura del siglo XIX. Elegantes inscripciones y poemas a menudo se incluyeron en la pintura, que tomó la forma de un rollo manual, rollo colgante, o una hoja de álbum, hecha de seda o papel.
El fino arte de la cerámica china siguió hasta cierto punto el desarrollo de la pintura, alcanzando su máxima perfección en la dinastía Sung y su extremada elaboración técnica y estilo decorativo en el Ming. En artículos de esmalte, laca, jade, marfil, textiles y muchas otras de las llamadas artes menores, el mundo tiene una deuda incalculable con China.
Influencias transculturales en los tiempos modernos
La influencia occidental en el arte chino ha sido evidente desde finales del siglo XVII, pero no fue de gran importancia hasta tiempos comparativamente recientes. El siglo XIX no produjo grandes maestros chinos, sino muchos tradicionalistas competentes. Los artistas de principios del siglo XX copiaron los estilos occidentales sin una comprensión real, y los intentos de combinarlos con el tema chino no tuvieron éxito. La influencia del arte chino sobre otras culturas ha sido profunda. Se ha extendido a los países musulmanes y, desde el siglo XIV, también ha afectado el arte de Europa occidental.
Arte bajo el comunismo
Después de que los comunistas llegaron al poder en 1949, se alentaron las artes gráficas útiles para la propaganda política, y la influencia occidental en las artes fue estrictamente desaconsejada. Dentro de los límites de las restricciones gubernamentales, dos pintores, Li K'o-jan y Ch'eng Shih-fa, han producido obras de considerable individualidad. Los artistas chinos que trabajan fuera de China, incluidos Tseng Yu-ho en Hawai, CC Wang en Nueva York y Chao Wu-chi en Francia, han producido obras abstractas basadas en la caligrafía que revelan cierta influencia occidental.
Primeros períodos
Las culturas neolíticas produjeron muchos artefactos, como cerámica pintada, herramientas de hueso y adornos, y tallas de jade de un diseño sofisticado. Las excavaciones en B'ei-li-kang cerca de Luo-yang datan de los materiales hallados en ese sitio hasta el 6000-5000 aC Una excavación a principios de los años 70 de la tumba real de Shih-huang Ti reveló una serie de imágenes funerarias de terracota. En Henan, el pueblo de Yang-shao dio su nombre a una cultura que floreció del 5000 al 3000 a. C. Las artesanías de cerámica de Ban-p'o fueron hechas a mano y el área produjo una cerámica roja pulida que fue pintada en negro con diseños de espirales y diseños geométricos, a veces con caras humanas. Más tarde, en Ma-jia-yao en Gansu, la cerámica pintada con brocha se hizo más sofisticada en el manejo del diseño. El conocimiento del arte chino antiguo se limita principalmente a las obras de cerámica, bronce, hueso y jade.
Las primeras dinastías: Bronces rituales
Durante la dinastía Shang (c.1750-1045 aC), se creó una parte del arte más extraordinario de China: sus bronces rituales. Fundidos en moldes, estas vasijas de sacrificio muestran desarrollos estilísticos que comenzaron con los primeros bronces en Erh-li-tou y alcanzaron su ápice en Anyang, la capital Shang, donde las excavaciones han producido numerosos vasos rituales de bronce que indican una cultura altamente avanzada en el Dinastía Shang en el segundo milenio. El arte de la fundición en bronce de este período es de tan alta calidad que sugiere un largo período de experimentación previa.
Los bronces rituales representan el registro más claro existente de desarrollo estilístico en las dinastías Shang, Chou y Early Han. El adorno de los bronces varía desde la incisión más exigua hasta el adorno plástico más recargado y desde las representaciones más severamente abstractas a algunas naturalistas. La dinastía Han posterior marca el final del desarrollo de este arte, aunque se siguió produciendo bronce altamente decorado, a menudo con un tratamiento magistral de incrustaciones de metal y piedra.
Arte budista
El advenimiento del budismo (siglo I dC) introdujo el arte de un personaje diferente. Se crearon obras de escultura, pintura y arquitectura de una naturaleza más claramente religiosa. Con el budismo, la representación del Buda y de los bodhisattvas y las figuras asistentes se convirtió en el gran tema de la escultura. Las formas de estas figuras llegaron a China desde India a través de Asia central, pero en el siglo sexto. AD los artistas chinos lograron desarrollar un estilo nacional en escultura. Este estilo alcanzó su mayor distinción al principio de la dinastía T'ang. Las figuras, hermosas en proporción y elegantes en gesto, muestran gran precisión y claridad en la representación de la forma, con un predominio de ritmos lineales.
Poco a poco la moderación del siglo VII. dio paso a un trabajo más dramático. Los principales sitios de arte budista en los templos de las cuevas son Donghuang, Lung-men, Yun-kang, Mai-chi-shan y Ping-ling-ssu. Durante aproximadamente 600 años la escultura budista continuó floreciendo; luego, en la dinastía Ming, la escultura dejó de desarrollarse con estilo. Después de este tiempo, la escultura en miniatura en jade, marfil y vidrio, de exquisita artesanía pero carente de vitalidad de inspiración, se produjo en China (y también se hizo en Japón).
Pintura china desde el siglo quinto
Todavía se conservan pequeñas pinturas de los primeros períodos, excepto en cerámica, laca y azulejos, y decoraciones de tumbas en Manchuria y Corea del Norte. Es solo desde el 5to centavo. AD que se puede rastrear un claro desarrollo histórico. Cerca de Dunhuang, más de un centenar de cuevas (llamadas las Cuevas de los Mil Budas) contienen pinturas murales budistas y pergaminos que datan principalmente de finales del siglo V al siglo VIII. Muestran formas hieráticas simples y primitivas de Buda y de los bodhisattvas y más tarde escenas abarrotadas de paraíso. Los elegantes motivos decorativos y ciertos elementos figurativos revelan una influencia occidental.
Se desarrolló un sistema altamente organizado de representación de objetos en el espacio, bastante diferente de la perspectiva occidental post-renacentista. La representación de los efectos naturales de la luz y la sombra está casi ausente en este arte, cuya mayor fortaleza es su incomparable dominio de la línea y la silueta. Uno de los primeros artistas sobre los que se sabe algo es el maestro Ku K'ai-chih, del siglo IV, que se dice que se destacó en el retrato.
El arte de la pintura figura alcanzó un pico de excelencia en la dinastía T'ang (618-906). Los temas históricos y las escenas de la vida cortesana fueron populares, y la figura humana fue retratada con una robustez y monumentalidad sin igual en la pintura china. Los sujetos animales también fueron frecuentemente representados. El artista del siglo octavo Han Kan es famoso por su pintura de caballos. La dinastía T'ang también vio el surgimiento del gran arte de la pintura paisajística china. Picos altos y escarpados fueron representados, con arroyos, rocas y árboles cuidadosamente detallados en brillantes pigmentos minerales de color verde y azul. Estas pinturas generalmente se ejecutaban como dibujos de pincel con lavados de color. Poco o nada queda del trabajo de maestros tan famosos como Yen Li-pen, Wu Tao-tzu, Wang Wei y Tung Yuan de las Cinco Dinastías.
En la dinastía Sung (960-1279) la pintura de paisaje alcanzó su máxima expresión. Se concibió un esquema de la naturaleza amplio pero ordenado, que refleja las visiones contemporáneas del taoísmo y el confucianismo. Fuertemente disminuida en escala, la figura humana no se inmiscuyó en la magnitud de la naturaleza. La técnica de tinta monocromática se desarrolló con gran habilidad; con la mayor economía de medios pictóricos, se crearon sugerencias de estado de ánimo, atmósfera brumosa, profundidad y distancia. Durante la dinastía Sung, el detalle monumental comenzó a emerger. Un solo brote de bambú, una flor o un pájaro proporcionaron el tema para una pintura. Entre los que se destacaron en la pintura de flores fue el emperador Hui-tsung, que fundó la academia imperial. Cientos de pintores contribuyeron a su gloria, incluidos Li T'ang, Hsia Kuei y Ma Yuan. Los miembros de la secta Ch'an (Zen) del budismo ejecutaron pinturas, a menudo provocadas por una visión intuitiva. Con rápidas pinceladas y salpicaduras de tinta, crearon obras de vigor y espontaneidad.
Con el ascenso de la dinastía Yuan (1260-1368) la pintura alcanzó un nuevo nivel de logro, y bajo el dominio mongol muchos aspectos cultivados en el arte Sung fueron llevados a la culminación. La figura humana asumió una mayor importancia, y la pintura de paisaje adquirió una nueva vitalidad. La superficie de las pinturas, especialmente el estilo y la variedad de pinceladas, se hizo importante. Las composiciones de bodegones cobraron mayor prominencia, especialmente la pintura de bambú. Durante este tiempo, mucha literatura fue producida por los literatos, caballeros eruditos que pintaron para su propio disfrute y auto superación.
Bajo algunos de los emperadores de la dinastía Ming (1368-1644) se fomentó el renacimiento del aprendizaje y de las tradiciones artísticas más antiguas, y se desarrolló un conocimiento profundo. Estamos en deuda con los coleccionistas de arte Ming por la preservación de muchas pinturas que han sobrevivido hasta nuestros días. Los cuadros de aves y flores exhibieron las magníficas cualidades decorativas tan familiares para Occidente. Shen Chou, Tai Chin, Wen Cheng-ming, T'ang Yin y Tung Ch'i-ch'ang son solo algunos de los muchos grandes maestros de este período.
Bajo la dinastía Ch'ing (1644-1912) se mantuvo un alto nivel de competencia técnica, particularmente en las artes aplicadas, hasta el siglo XIX, cuando la producción se volvió mucho más limitada. Los famosos cuatro Wang imitaron a los grandes maestros de Yuan. Entre los pintores menos ortodoxos, Shih-T'ao y Chu Ta sobresalieron como artistas de notable visión personal. Sin embargo, hubo poca innovación en la pintura. A lo largo de la historia de la pintura china ha prevalecido una característica: el manejo consumado de la pincelada. Las pinturas se ejecutaron en una técnica de pincel seco o húmedo, con una increíble versatilidad que abarca desde patrones de remolinos hasta puntos de staccato.
Caligrafía y artes menores
El dominio de la pincelada estaba directamente relacionado con la caligrafía, tradicionalmente considerada por los chinos como la forma de arte más elevada. Maestros de la caligrafía como Wang Hsi-chih (c.303-361) y su hijo fueron venerados y sus obras fueron copiadas por la perfección de su escritura. La dependencia de las técnicas caligráficas en la pintura posterior, sin embargo, produjo un arte estéril de fórmulas sobrecargadas en la pintura del siglo XIX. Elegantes inscripciones y poemas a menudo se incluyeron en la pintura, que tomó la forma de un rollo manual, rollo colgante, o una hoja de álbum, hecha de seda o papel.
El fino arte de la cerámica china siguió hasta cierto punto el desarrollo de la pintura, alcanzando su máxima perfección en la dinastía Sung y su extremada elaboración técnica y estilo decorativo en el Ming. En artículos de esmalte, laca, jade, marfil, textiles y muchas otras de las llamadas artes menores, el mundo tiene una deuda incalculable con China.
Influencias transculturales en los tiempos modernos
La influencia occidental en el arte chino ha sido evidente desde finales del siglo XVII, pero no fue de gran importancia hasta tiempos comparativamente recientes. El siglo XIX no produjo grandes maestros chinos, sino muchos tradicionalistas competentes. Los artistas de principios del siglo XX copiaron los estilos occidentales sin una comprensión real, y los intentos de combinarlos con el tema chino no tuvieron éxito. La influencia del arte chino sobre otras culturas ha sido profunda. Se ha extendido a los países musulmanes y, desde el siglo XIV, también ha afectado el arte de Europa occidental.
Arte bajo el comunismo
Después de que los comunistas llegaron al poder en 1949, se alentaron las artes gráficas útiles para la propaganda política, y la influencia occidental en las artes fue estrictamente desaconsejada. Dentro de los límites de las restricciones gubernamentales, dos pintores, Li K'o-jan y Ch'eng Shih-fa, han producido obras de considerable individualidad. Los artistas chinos que trabajan fuera de China, incluidos Tseng Yu-ho en Hawai, CC Wang en Nueva York y Chao Wu-chi en Francia, han producido obras abstractas basadas en la caligrafía que revelan cierta influencia occidental.
