Arte contemporáneo

Arte contemporáneo, el arte de finales del siglo XX. y principios del siglo XXI, ambos una extensión y un rechazo del arte moderno. A medida que la fuerza y ​​el vigor del expresionismo abstracto disminuyeron, surgieron nuevos movimientos y estilos artísticos durante los años sesenta y setenta para desafiar y desplazar al modernismo en la pintura, la escultura y otros medios. Los estilos improvisados ​​y similares a Dada empleados a principios de la década de 1960 y luego por Robert Rauschenberg y Jasper Johns tuvieron amplia influencia, al igual que los estilos de muchos otros artistas. El más significativo de los movimientos a menudo definidos del arte contemporáneo primitivo fue el arte pop, caracterizado por imágenes comunes ubicadas en nuevos contextos estéticos, como en el trabajo de figuras como Andy Warhol y Roy Lichtenstein, los destellos ópticos del movimiento internacional de arte óptico en las pinturas de Bridget Riley , Richard Anusziewicz y otras, las imágenes abstractas de la pintura de campo de color en el trabajo de artistas como Ellsworth Kelly y Frank Stella (con sus innovaciones de tela en forma) las altas intenciones intelectuales y la abstracción absoluta del arte conceptual por Sol LeWitt y otros, la hiperrealidad de bordes duros del fotorrealismo en obras de Richard Estes y otros, la espontaneidad y los componentes multimedia de los happenings y la monumentalidad y conciencia medioambiental del land art de artistas como Robert Smithson. Uno de los movimientos más longevos fue el desarrollo abstracto conocido como minimalismo, que enfatizaba la variación menos discernible de la técnica en pintura, escultura y otros medios.

Tomados en conjunto, estos muchos acercamientos al arte representaron un rechazo total de los principios del modernismo -por ejemplo, su formalismo óptico, alta seriedad, utopismo, desapego social, invocación del subconsciente y elitismo- y marcaron el comienzo de una nueva era en el arte . En sus muchas manifestaciones, estos movimientos y esos estilos que siguieron se han agrupado bajo el término general de posmodernidad. En su mayor parte, este arte es uno de pluralismo y eclecticismo. De hecho, la falta de un principio o ideología organizativa uniforme es uno de los sellos más importantes del arte posmoderno. No obstante, dentro de la enorme diversidad, se pueden discernir ciertas tendencias, tendencias y movimientos.

Uno de los productos de la desestimación casi universal del modernismo por parte de los artistas contemporáneos ha sido el desarrollo de un nuevo historicismo, irónico y distante, que ha engendrado una serie de "neoismos" artísticos. Estos incluyen el neoexpresionismo de artistas alemanes como Georg Baselitz y Anselm Kiefer, de italianos como Francisco Clemente y Sandro Chia, y del estadounidense Julian Schnabel. Entre otros estilos "neoclásicos" contemporáneos están las geniales abstracciones "neogeográficas" de Peter Halley y otros, las rígidas estructuras del neoconceptualismo, el refinado neopop de artistas como Jeff Koons y el resurgimiento del paisaje representado por Diane Burko y April Gornik, entre otros.

Muchos artistas nuevos han invocado y desafiado simultáneamente la historia del arte, rechazando la estatura heroica de la singular obra de arte y el artista individual (generalmente hombre blanco) e invocando la ubicuidad de las reproducciones producidas mecánicamente empleando "citas" sofisticadas o "apropiaciones" de trabajos anteriores. Esto se puede encontrar, por ejemplo, en las recreaciones fotográficas de pinturas de Cindy Sherman, en las múltiples citas de imágenes históricas de las pinturas de David Salle, en las tomas postmodernas de Barnett Newman de Philip Taaffe y en Manet de Yasumasa Morimura, y en el representaciones casi idénticas de imágenes famosas como el icono del modernismo de Picasso Les Demoiselles d'Avignon de Mike Bidlo.

También se ha extendido entre los artistas contemporáneos el repudio a la idea que subyace a la mayoría de las obras de abstracción pura: que la obra de arte es una entidad autosuficiente. Rechazando las imágenes exclusivamente autorreferenciales de abstracción y el estrecho comercialismo del mundo del arte (aunque a menudo abraza el comercialismo más amplio de una sociedad de consumo), el nuevo arte a veces ha manifestado una conciencia social marcada aunque un tanto distante, a menudo expresada en minoritaria, gay (a menudo relacionada con el SIDA) y las imágenes feministas. En general, las incursiones logradas por el feminismo en la década de 1970 se han visto reflejadas en décadas posteriores no tanto por las imágenes de Judy Chicago o Miriam Schapiro, insistentemente femeninas, derivadas del cuerpo de la década de 1970 como por la participación total en el arte una vez predominantemente masculino mundo de artistas tan variados como Jenny Holzer, Cindy Sherman, Barbara Kruger, Jennifer Bartlett, Elizabeth Murray, Judy Pfaff, Sherrie Levine, Barbara Bloom, Katharina Fritsch y otros.

A partir de los experimentos multimedia de la década de 1970, el uso generalizado de una variedad de medios basados ​​en la tecnología ha persistido en el arte del nuevo siglo. A menudo se incluyen elementos de película, video, sonido, rendimiento (ver arte de performance ) y arquitectura (principalmente en arte de instalación). Otra tendencia que ha ampliado la definición y el alcance del arte contemporáneo ha sido el uso conceptual de la fotografía y el lenguaje como sustancia de numerosas obras de arte: en los collages fotográficos de Kiefer, en las palabras e imágenes fotográficas de Kruger, en las frases de neón de Bruce Nauman, en las palabras pintadas de Lawrence Weiner, en el cartel de Holzer, esculpido, reproducido electrónicamente o de otro modo creado neotruisms lingüísticos, y en obras de muchos otros artistas. Otro movimiento de arte contemporáneo, el arte digital, fue iniciado en la década de 1970, pero no prevaleció hasta el comienzo del siglo XXI. Los artistas digitales hacen uso de sofisticadas computadoras, software y equipos de video para crear un cuerpo extremadamente variado de trabajos.

El arte posmoderno también ha borrado las distinciones entre la pintura y la escultura (y, a veces, la arquitectura), con artistas que a menudo incluyen en sus obras una gran cantidad de materiales muy no tradicionales. Desde la década de 1960, las pinturas en forma y la escultura pintada se han convertido en lugares comunes, mientras que los materiales de arte van desde la cabra rellena de Rauschenberg hasta los grumos de grasa de Joseph Beuys y los fluidos corporales manchados de varios artistas contemporáneos. Además, una amplia variedad de espacios y lugares, tanto privados como públicos, se han convertido en escenarios del trabajo frecuentemente efímero de muchos artistas contemporáneos.

Más tarde, 20 centavos. y principios del siglo XXI. la escultura ha asumido una posición central en el arte contemporáneo y ha seguido los patrones de los diversos movimientos artísticos posmodernos, por ejemplo, los iconos pop tridimensionales de Claes Oldenburg, las figuras deliberadamente banales, a menudo eróticas de Koons, y las construcciones minimalistas de artistas tales como Carl Andre, Donald Judd y Robert Morris. Otras tendencias importantes en la escultura contemporánea incluyen un uso creciente de medios mixtos y la creación de obras que extraen su significado e impacto de su contexto arquitectónico y también enfatizan el papel del espectador. Esto es tan significativo en los ejemplos centrados en la sala de arte de instalación como lo es en obras públicas tan grandes como el Monumento a los Veteranos de Vietnam de Maya Lin.