Arte europeo hasta 1599
La cultura minoica es considerada como la civilización más antigua de Europa. La cultura minoica existía en Creta y consistía en cuatro períodos: prepalatial, protopalacial, neopalacial y postpalatial entre 3650 aC y 1100 aC. Gran parte del arte no se mantuvo desde la época preparatoria, y la mayoría de los artefactos que aún existen hoy en día son estatuillas de las Cícladas y fragmentos de cerámica. El período más próspero de la civilización cretense fue el período neopalatial y la mayoría de los artefactos pertenecen a esta época. Una gran cantidad de artefactos del Protopalacial se puede ver hoy en los museos de Creta. La alfarería, la más popular en el período Protopalacial (1900-1700 aC), se caracterizó por recipientes de pared delgada, formas sutiles y simétricas, caños elegantes, decoraciones y líneas dinámicas. Los valores oscuros y claros a menudo se contrastaban en la cerámica minoica. La espontaneidad y la fluidez del período Protopalacial más tarde se transformaron en una forma de arte más estilizada con la disociación del naturalismo en el período Neopalacial.
Los palacios sirvieron como centros de organización, comerciales, artísticos, de culto y agrícolas en la civilización cretense. Los palacios de Creta se construyeron sin muros defensivos y exhibieron un patio central que fue abrazado por una serie de edificios. El patio central servía como el principal lugar de reunión de la gente. Los palacios tenían salas del trono, cámaras de culto y teatros donde la gente podía reunirse en eventos especiales. Las columnas y las escaleras formaban parte de la expresión artística y se cree que servían como elementos metafóricos.
Los palacios minoicos están ricamente pintados con pinturas. La pintura de Minoan fue única ya que utilizó técnicas de frescos húmedos; se caracterizó por pequeñas cinturas, fluidez y vitalidad de las figuras y fue sazonado con elasticidad, espontaneidad, vitalidad y colores de alto contraste.
Gran parte de la escultura no sobrevivió de la civilización minoica. El ejemplo más conocido de esculturas es la estatuilla de la Diosa Serpiente. La escultura representa a una diosa o una gran sacerdotisa con una serpiente en ambas manos, vestida con atuendo tradicional minoico, que cubre todo el cuerpo y deja los senos expuestos. El exquisito trabajo en metal también fue una característica del arte minoico. Los maestros de metal de Minoan trabajaron con oro y cobre importados y dominaron técnicas de fundición en cera, gofrado, dorado, nielo y granulación.
La antigua Grecia tenía grandes pintores, grandes escultores y grandes arquitectos. El Partenón es un ejemplo de su arquitectura que ha perdurado hasta nuestros días. La escultura de mármol griego a menudo se describe como la forma más alta de arte clásico. La pintura en la cerámica de la antigua Grecia y la cerámica da una idea particularmente informativa de cómo funcionaba la sociedad en la antigua Grecia. La pintura de jarrón de figuras negras y la pintura de jarrón de figuras rojas dan muchos ejemplos de lo que fue la pintura griega. Algunos pintores griegos famosos en paneles de madera que se mencionan en los textos son Apelles, Zeuxis y Parrhasius, sin embargo, no existen ejemplos de la pintura del panel griego antiguo, solo descripciones escritas por sus contemporáneos o por romanos posteriores. Zeuxis vivió en 5-6 aC y se dice que fue el primero en usar sfumato. Según Plinio el Viejo, el realismo de sus pinturas era tal que las aves intentaban comer las uvas pintadas. Apelles es descrito como el mejor pintor de la Antigüedad por su técnica perfecta en dibujo, color brillante y modelado.
El arte romano fue influenciado por Grecia y en parte puede tomarse como un descendiente de la pintura y la escultura griegas antiguas, pero también fue fuertemente influenciado por el arte etrusco más local de Italia. Escultura romana, es principalmente un retrato derivado de las clases altas de la sociedad, así como representaciones de los dioses. Sin embargo, la pintura romana tiene importantes características únicas. Entre las pinturas romanas que aún se conservan se encuentran pinturas murales, muchas de ellas de villas en Campania, en el sur de Italia, especialmente en Pompeya y Herculano. Tal pintura se puede agrupar en cuatro "estilos" o períodos principales y puede contener los primeros ejemplos de trompe-l'oeil, pseudo-perspectiva y paisaje puro.
Casi todos los retratos pintados que sobreviven del mundo antiguo son una gran cantidad de retratos de ataúdes de forma de busto encontrados en el cementerio de antigüedades tardías de Al-Fayum. Dan una idea de la calidad que el mejor trabajo antiguo debe haber tenido. También sobreviven un número muy pequeño de miniaturas de libros ilustrados de Late Antique, y un número bastante mayor de copias de la época Medieval Temprana. El arte cristiano primitivo surgió del arte popular romano, y más tarde imperial, y adaptó su iconografía a partir de estas fuentes.
Medieval
La mayoría del arte sobreviviente del período medieval era de enfoque religioso, a menudo financiado por la Iglesia, poderosos individuos eclesiásticos como obispos, grupos comunales como las abadías o patronos seculares ricos. Muchos tenían funciones litúrgicas específicas: cruces procesionales y retablos, por ejemplo.
Una de las preguntas centrales sobre el arte medieval se refiere a su falta de realismo. Una gran cantidad de conocimiento de la perspectiva en el arte y la comprensión de la figura humana se perdió con la caída de Roma. Pero el realismo no era la principal preocupación de los artistas medievales. Simplemente trataban de enviar un mensaje religioso, una tarea que exige imágenes icónicas claras en lugar de imágenes con precisión.
Bizantino
El arte bizantino se superpone o se funde con lo que llamamos el arte cristiano temprano hasta el período iconoclasta de 730-843 cuando la gran mayoría de las obras de arte con figuras fueron destruidas; tan poco queda que hoy cualquier descubrimiento arroja una nueva comprensión. Después de 843 hasta 1453 hay una clara tradición de arte bizantino. A menudo es el mejor arte de la Edad Media en términos de calidad de material y mano de obra, con una producción centrada en Constantinopla. La coronación del arte bizantino fueron los monumentales frescos y mosaicos dentro de iglesias abovedadas, la mayoría de los cuales no han sobrevivido debido a desastres naturales y la apropiación de iglesias en mezquitas.
Arte medieval temprano
El arte del período de la migración es un término general para el arte de los pueblos "bárbaros" que se trasladaron a los territorios anteriormente romanos. El arte celta en los siglos VII y VIII vio una fusión con las tradiciones germánicas a través del contacto con los anglosajones creando lo que se conoce como el estilo hiberno-sajón o arte insular, que fue muy influyente en el resto de la Edad Media. El arte merovingio describe el arte de los francos antes de alrededor de 800, cuando el arte carolingio combinó influencias insulares con un renacimiento clásico autoconsciente, desarrollándose en el arte otoniano. El arte anglosajón es el arte de Inglaterra después del período insular. Los manuscritos iluminados contienen casi toda la pintura sobreviviente de la época, pero la arquitectura, la metalistería y el pequeño trabajo tallado en madera o marfil también fueron medios importantes.
Románico
El arte románico se refiere al período comprendido entre 1000 y el surgimiento del arte gótico en el siglo XII. Este fue un período de prosperidad creciente, y el primero en ver un estilo coherente utilizado en toda Europa, desde Escandinavia hasta Suiza. El arte románico es vigoroso y directo, originalmente fue de colores brillantes y, a menudo, muy sofisticado. Las vidrieras y el esmalte sobre metalistería se convirtieron en medios importantes, y se desarrollaron esculturas más grandes en la ronda, aunque el alto relieve fue la técnica principal. Su arquitectura está dominada por paredes gruesas y ventanas y arcos de cabeza redonda, con una decoración muy tallada.
Gótico
El arte gótico es un término variable que depende de la artesanía, el lugar y el tiempo. El término se originó con la arquitectura gótica en 1140, pero la pintura gótica no apareció hasta alrededor de 1200 (esta fecha tiene muchas calificaciones), cuando se apartó del estilo románico. La escultura gótica nació en Francia en 1144 con la renovación de la iglesia de la abadía de S. Denis y se extendió por toda Europa; en el siglo XIII se había convertido en el estilo internacional, reemplazando al románico. International Gothic describe el arte gótico desde aproximadamente 1360 hasta 1430, después de lo cual el arte gótico se funde con el arte del Renacimiento en diferentes momentos en diferentes lugares. Durante este período, las formas como la pintura, al fresco y en el panel, se vuelven nuevamente importantes, y el final del período incluye nuevos medios como las impresiones.
Renacimiento
El Renacimiento se caracteriza por un enfoque en las artes de la antigua Grecia y Roma, que dio lugar a muchos cambios, tanto en los aspectos técnicos de la pintura y la escultura, así como a su tema. Comenzó en Italia, un país rico en herencia romana, así como prosperidad material para financiar artistas. Durante el Renacimiento, los pintores comenzaron a realzar el realismo de su trabajo utilizando nuevas técnicas en perspectiva, representando así tres dimensiones más auténticamente. Los artistas también comenzaron a utilizar nuevas técnicas en la manipulación de la luz y la oscuridad, como el contraste de tono evidente en muchos de los retratos de Tiziano y el desarrollo de sfumato y claroscuro por Leonardo da Vinci. Los escultores también comenzaron a redescubrir muchas técnicas antiguas, como el contrapposto. Siguiendo con el espíritu humanista de la época, el arte se volvió más secular en el tema, representando la mitología antigua además de los temas cristianos. Este género de arte a menudo se conoce como Clasicismo renacentista. En el norte, la innovación renacentista más importante fue el uso generalizado de pinturas al óleo, lo que permitió un mayor color e intensidad.
Del gótico al Renacimiento
Durante finales del siglo XIII y principios del siglo XIV, gran parte de la pintura en Italia era bizantina en carácter, especialmente la de Duccio de Siena y Cimabue de Florencia, mientras que Pietro Cavallini en Roma era de estilo más gótico.
En 1290, Giotto comenzó a pintar de una manera menos tradicional y más basada en la observación de la naturaleza. Su famoso ciclo en la Capilla Scrovegni, Padua, es visto como el comienzo de un estilo renacentista.
Otros pintores del siglo XIV llevaron el estilo gótico a una gran elaboración y detalle. Notables entre estos pintores son Simone Martini y Gentile da Fabriano.
En los Países Bajos, la técnica de pintar en óleo en lugar de témpera, condujo a una forma de elaboración que no dependía de la aplicación de pan de oro y gofrado, sino de la representación minuciosa del mundo natural. El arte de pintar texturas con gran realismo evolucionó en este momento. Pintores holandeses como Jan van Eyck y Hugo van der Goes iban a tener una gran influencia en la pintura del gótico tardío y del renacimiento temprano.
Renacimiento temprano
Las ideas del Renacimiento surgieron por primera vez en la ciudad-estado de Florencia, Italia. El escultor Donatello regresó a las técnicas clásicas, como el contrapposto y temas clásicos como el desnudo sin apoyo: su segunda escultura de David fue el primer desnudo de bronce independiente creado en Europa desde el Imperio Romano. El escultor y arquitecto Brunelleschi estudió las ideas arquitectónicas de los antiguos edificios romanos en busca de inspiración. Masaccio perfeccionó elementos como la composición, la expresión individual y la forma humana para pintar frescos, especialmente los de la Capilla de Brancacci, de sorprendente elegancia, drama y emoción.
Un número notable de estos artistas importantes trabajó en diferentes partes de la Catedral de Florencia. La cúpula de Brunelleschi para la catedral fue una de las primeras innovaciones arquitectónicas verdaderamente revolucionarias desde el contrafuerte gótico. Donatello creó muchas de sus esculturas. Giotto y Lorenzo Ghiberti también contribuyeron a la catedral.
Manos que rezan de Albrecht Dürer ( Betende Hände ) (hacia 1508), un dibujo perteneciente a la tradición artística del Renacimiento del Norte, de la cual Durero es una figura formidable.
Alto Renacimiento
Los artistas del Alto Renacimiento incluyen figuras como Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti y Raffaello Sanzio.
Los desarrollos artísticos del siglo XV en Italia (por ejemplo, el interés en los sistemas de perspectivas, en la representación de la anatomía y en las culturas clásicas) maduraron durante el siglo XVI, dando cuenta de las denominaciones "Renacimiento temprano" del siglo XV y "Alto Renacimiento" para el siglo 16 Aunque no hay un estilo singular que caracterice el Alto Renacimiento, el arte de aquellos más estrechamente asociados con este Período -Leonardo da Vinci, Rafael, Miguel Ángel y Tiziano- exhibe una maestría asombrosa, tanto técnica como estética. Los artistas del Alto Renacimiento crearon obras de tal autoridad que generaciones de artistas posteriores confiaron en estas obras de arte para la instrucción. Estas creaciones artísticas ejemplares elevaron aún más el prestigio de los artistas. Los artistas podrían reclamar la inspiración divina, elevando de ese modo el arte visual a un estado anteriormente otorgado únicamente a la poesía. Por lo tanto, los pintores, escultores y arquitectos se hicieron valer, reivindicando con éxito para su trabajo una posición elevada entre las bellas artes. En cierto sentido, los maestros del siglo XVI crearon una nueva profesión con sus propios derechos de expresión y su propio carácter venerable.
Arte del norte hasta el Renacimiento
La pintura neerlandesa temprana desarrolló (pero no inventó estrictamente) la técnica de la pintura al óleo para permitir un mayor control al pintar minuciosamente detalles con realismo. Jan van Eyck (1366-1441) fue una figura en el movimiento de manuscritos iluminados a pinturas de paneles.
Hieronymus Bosch (1450? -1516), un pintor holandés, es otra figura importante en el Renacimiento del Norte. En sus pinturas, utilizó temas religiosos, pero los combinó con fantasías grotescas, imágenes coloridas y leyendas populares campesinas. Sus pinturas a menudo reflejan la confusión y la angustia asociadas con el final de la Edad Media.
Albrecht Dürer introdujo el estilo renacentista italiano en Alemania a fines del siglo XV y dominó el arte del Renacimiento alemán.
Los palacios sirvieron como centros de organización, comerciales, artísticos, de culto y agrícolas en la civilización cretense. Los palacios de Creta se construyeron sin muros defensivos y exhibieron un patio central que fue abrazado por una serie de edificios. El patio central servía como el principal lugar de reunión de la gente. Los palacios tenían salas del trono, cámaras de culto y teatros donde la gente podía reunirse en eventos especiales. Las columnas y las escaleras formaban parte de la expresión artística y se cree que servían como elementos metafóricos.
Los palacios minoicos están ricamente pintados con pinturas. La pintura de Minoan fue única ya que utilizó técnicas de frescos húmedos; se caracterizó por pequeñas cinturas, fluidez y vitalidad de las figuras y fue sazonado con elasticidad, espontaneidad, vitalidad y colores de alto contraste.
Gran parte de la escultura no sobrevivió de la civilización minoica. El ejemplo más conocido de esculturas es la estatuilla de la Diosa Serpiente. La escultura representa a una diosa o una gran sacerdotisa con una serpiente en ambas manos, vestida con atuendo tradicional minoico, que cubre todo el cuerpo y deja los senos expuestos. El exquisito trabajo en metal también fue una característica del arte minoico. Los maestros de metal de Minoan trabajaron con oro y cobre importados y dominaron técnicas de fundición en cera, gofrado, dorado, nielo y granulación.
La antigua Grecia tenía grandes pintores, grandes escultores y grandes arquitectos. El Partenón es un ejemplo de su arquitectura que ha perdurado hasta nuestros días. La escultura de mármol griego a menudo se describe como la forma más alta de arte clásico. La pintura en la cerámica de la antigua Grecia y la cerámica da una idea particularmente informativa de cómo funcionaba la sociedad en la antigua Grecia. La pintura de jarrón de figuras negras y la pintura de jarrón de figuras rojas dan muchos ejemplos de lo que fue la pintura griega. Algunos pintores griegos famosos en paneles de madera que se mencionan en los textos son Apelles, Zeuxis y Parrhasius, sin embargo, no existen ejemplos de la pintura del panel griego antiguo, solo descripciones escritas por sus contemporáneos o por romanos posteriores. Zeuxis vivió en 5-6 aC y se dice que fue el primero en usar sfumato. Según Plinio el Viejo, el realismo de sus pinturas era tal que las aves intentaban comer las uvas pintadas. Apelles es descrito como el mejor pintor de la Antigüedad por su técnica perfecta en dibujo, color brillante y modelado.
El arte romano fue influenciado por Grecia y en parte puede tomarse como un descendiente de la pintura y la escultura griegas antiguas, pero también fue fuertemente influenciado por el arte etrusco más local de Italia. Escultura romana, es principalmente un retrato derivado de las clases altas de la sociedad, así como representaciones de los dioses. Sin embargo, la pintura romana tiene importantes características únicas. Entre las pinturas romanas que aún se conservan se encuentran pinturas murales, muchas de ellas de villas en Campania, en el sur de Italia, especialmente en Pompeya y Herculano. Tal pintura se puede agrupar en cuatro "estilos" o períodos principales y puede contener los primeros ejemplos de trompe-l'oeil, pseudo-perspectiva y paisaje puro.
Casi todos los retratos pintados que sobreviven del mundo antiguo son una gran cantidad de retratos de ataúdes de forma de busto encontrados en el cementerio de antigüedades tardías de Al-Fayum. Dan una idea de la calidad que el mejor trabajo antiguo debe haber tenido. También sobreviven un número muy pequeño de miniaturas de libros ilustrados de Late Antique, y un número bastante mayor de copias de la época Medieval Temprana. El arte cristiano primitivo surgió del arte popular romano, y más tarde imperial, y adaptó su iconografía a partir de estas fuentes.
Medieval
La mayoría del arte sobreviviente del período medieval era de enfoque religioso, a menudo financiado por la Iglesia, poderosos individuos eclesiásticos como obispos, grupos comunales como las abadías o patronos seculares ricos. Muchos tenían funciones litúrgicas específicas: cruces procesionales y retablos, por ejemplo.
Una de las preguntas centrales sobre el arte medieval se refiere a su falta de realismo. Una gran cantidad de conocimiento de la perspectiva en el arte y la comprensión de la figura humana se perdió con la caída de Roma. Pero el realismo no era la principal preocupación de los artistas medievales. Simplemente trataban de enviar un mensaje religioso, una tarea que exige imágenes icónicas claras en lugar de imágenes con precisión.
Bizantino
El arte bizantino se superpone o se funde con lo que llamamos el arte cristiano temprano hasta el período iconoclasta de 730-843 cuando la gran mayoría de las obras de arte con figuras fueron destruidas; tan poco queda que hoy cualquier descubrimiento arroja una nueva comprensión. Después de 843 hasta 1453 hay una clara tradición de arte bizantino. A menudo es el mejor arte de la Edad Media en términos de calidad de material y mano de obra, con una producción centrada en Constantinopla. La coronación del arte bizantino fueron los monumentales frescos y mosaicos dentro de iglesias abovedadas, la mayoría de los cuales no han sobrevivido debido a desastres naturales y la apropiación de iglesias en mezquitas.
Arte medieval temprano
El arte del período de la migración es un término general para el arte de los pueblos "bárbaros" que se trasladaron a los territorios anteriormente romanos. El arte celta en los siglos VII y VIII vio una fusión con las tradiciones germánicas a través del contacto con los anglosajones creando lo que se conoce como el estilo hiberno-sajón o arte insular, que fue muy influyente en el resto de la Edad Media. El arte merovingio describe el arte de los francos antes de alrededor de 800, cuando el arte carolingio combinó influencias insulares con un renacimiento clásico autoconsciente, desarrollándose en el arte otoniano. El arte anglosajón es el arte de Inglaterra después del período insular. Los manuscritos iluminados contienen casi toda la pintura sobreviviente de la época, pero la arquitectura, la metalistería y el pequeño trabajo tallado en madera o marfil también fueron medios importantes.
Románico
El arte románico se refiere al período comprendido entre 1000 y el surgimiento del arte gótico en el siglo XII. Este fue un período de prosperidad creciente, y el primero en ver un estilo coherente utilizado en toda Europa, desde Escandinavia hasta Suiza. El arte románico es vigoroso y directo, originalmente fue de colores brillantes y, a menudo, muy sofisticado. Las vidrieras y el esmalte sobre metalistería se convirtieron en medios importantes, y se desarrollaron esculturas más grandes en la ronda, aunque el alto relieve fue la técnica principal. Su arquitectura está dominada por paredes gruesas y ventanas y arcos de cabeza redonda, con una decoración muy tallada.
Gótico
El arte gótico es un término variable que depende de la artesanía, el lugar y el tiempo. El término se originó con la arquitectura gótica en 1140, pero la pintura gótica no apareció hasta alrededor de 1200 (esta fecha tiene muchas calificaciones), cuando se apartó del estilo románico. La escultura gótica nació en Francia en 1144 con la renovación de la iglesia de la abadía de S. Denis y se extendió por toda Europa; en el siglo XIII se había convertido en el estilo internacional, reemplazando al románico. International Gothic describe el arte gótico desde aproximadamente 1360 hasta 1430, después de lo cual el arte gótico se funde con el arte del Renacimiento en diferentes momentos en diferentes lugares. Durante este período, las formas como la pintura, al fresco y en el panel, se vuelven nuevamente importantes, y el final del período incluye nuevos medios como las impresiones.
Renacimiento
El Renacimiento se caracteriza por un enfoque en las artes de la antigua Grecia y Roma, que dio lugar a muchos cambios, tanto en los aspectos técnicos de la pintura y la escultura, así como a su tema. Comenzó en Italia, un país rico en herencia romana, así como prosperidad material para financiar artistas. Durante el Renacimiento, los pintores comenzaron a realzar el realismo de su trabajo utilizando nuevas técnicas en perspectiva, representando así tres dimensiones más auténticamente. Los artistas también comenzaron a utilizar nuevas técnicas en la manipulación de la luz y la oscuridad, como el contraste de tono evidente en muchos de los retratos de Tiziano y el desarrollo de sfumato y claroscuro por Leonardo da Vinci. Los escultores también comenzaron a redescubrir muchas técnicas antiguas, como el contrapposto. Siguiendo con el espíritu humanista de la época, el arte se volvió más secular en el tema, representando la mitología antigua además de los temas cristianos. Este género de arte a menudo se conoce como Clasicismo renacentista. En el norte, la innovación renacentista más importante fue el uso generalizado de pinturas al óleo, lo que permitió un mayor color e intensidad.
Del gótico al Renacimiento
Durante finales del siglo XIII y principios del siglo XIV, gran parte de la pintura en Italia era bizantina en carácter, especialmente la de Duccio de Siena y Cimabue de Florencia, mientras que Pietro Cavallini en Roma era de estilo más gótico.
En 1290, Giotto comenzó a pintar de una manera menos tradicional y más basada en la observación de la naturaleza. Su famoso ciclo en la Capilla Scrovegni, Padua, es visto como el comienzo de un estilo renacentista.
Otros pintores del siglo XIV llevaron el estilo gótico a una gran elaboración y detalle. Notables entre estos pintores son Simone Martini y Gentile da Fabriano.
En los Países Bajos, la técnica de pintar en óleo en lugar de témpera, condujo a una forma de elaboración que no dependía de la aplicación de pan de oro y gofrado, sino de la representación minuciosa del mundo natural. El arte de pintar texturas con gran realismo evolucionó en este momento. Pintores holandeses como Jan van Eyck y Hugo van der Goes iban a tener una gran influencia en la pintura del gótico tardío y del renacimiento temprano.
Renacimiento temprano
Las ideas del Renacimiento surgieron por primera vez en la ciudad-estado de Florencia, Italia. El escultor Donatello regresó a las técnicas clásicas, como el contrapposto y temas clásicos como el desnudo sin apoyo: su segunda escultura de David fue el primer desnudo de bronce independiente creado en Europa desde el Imperio Romano. El escultor y arquitecto Brunelleschi estudió las ideas arquitectónicas de los antiguos edificios romanos en busca de inspiración. Masaccio perfeccionó elementos como la composición, la expresión individual y la forma humana para pintar frescos, especialmente los de la Capilla de Brancacci, de sorprendente elegancia, drama y emoción.
Un número notable de estos artistas importantes trabajó en diferentes partes de la Catedral de Florencia. La cúpula de Brunelleschi para la catedral fue una de las primeras innovaciones arquitectónicas verdaderamente revolucionarias desde el contrafuerte gótico. Donatello creó muchas de sus esculturas. Giotto y Lorenzo Ghiberti también contribuyeron a la catedral.
Manos que rezan de Albrecht Dürer ( Betende Hände ) (hacia 1508), un dibujo perteneciente a la tradición artística del Renacimiento del Norte, de la cual Durero es una figura formidable.
Alto Renacimiento
Los artistas del Alto Renacimiento incluyen figuras como Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti y Raffaello Sanzio.
Los desarrollos artísticos del siglo XV en Italia (por ejemplo, el interés en los sistemas de perspectivas, en la representación de la anatomía y en las culturas clásicas) maduraron durante el siglo XVI, dando cuenta de las denominaciones "Renacimiento temprano" del siglo XV y "Alto Renacimiento" para el siglo 16 Aunque no hay un estilo singular que caracterice el Alto Renacimiento, el arte de aquellos más estrechamente asociados con este Período -Leonardo da Vinci, Rafael, Miguel Ángel y Tiziano- exhibe una maestría asombrosa, tanto técnica como estética. Los artistas del Alto Renacimiento crearon obras de tal autoridad que generaciones de artistas posteriores confiaron en estas obras de arte para la instrucción. Estas creaciones artísticas ejemplares elevaron aún más el prestigio de los artistas. Los artistas podrían reclamar la inspiración divina, elevando de ese modo el arte visual a un estado anteriormente otorgado únicamente a la poesía. Por lo tanto, los pintores, escultores y arquitectos se hicieron valer, reivindicando con éxito para su trabajo una posición elevada entre las bellas artes. En cierto sentido, los maestros del siglo XVI crearon una nueva profesión con sus propios derechos de expresión y su propio carácter venerable.
Arte del norte hasta el Renacimiento
La pintura neerlandesa temprana desarrolló (pero no inventó estrictamente) la técnica de la pintura al óleo para permitir un mayor control al pintar minuciosamente detalles con realismo. Jan van Eyck (1366-1441) fue una figura en el movimiento de manuscritos iluminados a pinturas de paneles.
Hieronymus Bosch (1450? -1516), un pintor holandés, es otra figura importante en el Renacimiento del Norte. En sus pinturas, utilizó temas religiosos, pero los combinó con fantasías grotescas, imágenes coloridas y leyendas populares campesinas. Sus pinturas a menudo reflejan la confusión y la angustia asociadas con el final de la Edad Media.
Albrecht Dürer introdujo el estilo renacentista italiano en Alemania a fines del siglo XV y dominó el arte del Renacimiento alemán.
