Arte japonés

Arte japonés, obras de arte creadas en las islas que conforman la nación de Japón.


Primeros trabajos

El arte más antiguo de Japón, que probablemente data de los siglos III y 2.00 aC, consistía en cerámica monocromática con diseños impresos con cordón ( Jomon ), también el nombre del período inicial del arte japonés. Más tarde, los hallazgos de Jomon (1000-300 aC) incluyen aretes de hueso, hojas de marfil y cuerno, objetos de laca y pequeñas figurillas de arcilla. El período posterior del Yayoi (300 aC-300 dC) produjo ollas arrojadas por las ruedas y grandes campanas de bronce rituales conocidas como dotaku. El período Kofun produjo figuras de arcilla modeladas simplemente de animales, personas, casas y barcos conocidos como haniwa, que se colocaron alrededor de túmulos funerarios.


Influencias budistas y chinas

La tradición estilística del arte japonés se estableció firmemente en el momento de la introducción del budismo en el siglo sexto. La enseñanza de las artes a través de monasterios y templos budistas progresó bajo los monjes y artesanos coreanos, quienes crearon esculturas budistas e imágenes que representaban divinidades, santos y figuras legendarias. La estrecha relación entre la cultura china y la asiática central se refleja en los objetos conservados en el depósito Shosoin en Nara. A lo largo de su historia, el arte japonés se ha basado en gran medida en las formas y técnicas prestadas de China. Los raros ejemplos de pinturas murales en el salón dorado de Horyu-ji, cerca de Nara (principios del siglo VIII) se basaron en la escultura china Horyoji basada en modelos coreanos, que refleja el estilo de pintura T'ang.


El período de Nara

En la escultura del período de Nara (710-784) las figuras de arcilla y las estatuas hechas en el proceso de laca seca (laca aplicada a un núcleo sólido de madera o telas laqueadas colocadas sobre algún tipo de armadura) alcanzaron gran popularidad. Las representaciones de deidades y santos budistas en madera y bronce evolucionaron en estilo desde una elegante delgadez en las obras de Tori (activo c.600-630) hasta las figuras más masivas de los siglos VIII y IX, que reflejan el estilo del último Dinastía T'ang en China.

Durante el período de Nara, se establecieron los métodos técnicos tradicionales de la pintura japonesa. El trabajo se ejecutó sobre seda delgada o gasa o papel suave con tinta china y acuarelas. Luego se montó sobre brocado de seda o su imitación de papel y se enrolló sobre una varilla cuando no estaba a la vista. El rollo colgante se llama kakemono. El desplazamiento horizontal largo y estrecho ( emakimono ), desenrollado en las manos, generalmente ilustra una narración con escenas progresivas.


El período Fujiwara

El período Fujiwara (898-1185) está marcado por la cristalización de la tradición Yamato-e de la pintura (basada en el gusto nacional en lugar del chino). Kanaoka (finales del siglo IX) fue el primer pintor nativo importante. El famoso rollo ilustrado del Cuento de los Genji, escrito a principios del siglo XI. por Lady Murasaki, con su rico color y tratamiento sustraído de las características de hombres y mujeres refleja la extrema sensibilidad y el refinamiento de la corte durante ese período. La misma delicadeza de gusto se puede ver en la escultura de Jocho (siglo XI).


El período de Kamakura

En el período Kamakura (finales del siglo XII-XIV), el país estaba gobernado por los militares, que preferían la osadía al refinamiento, la acción a la atmósfera contemplativa y el realismo a la formalidad. La nueva clase creó una demanda de pinturas y esculturas que representaban a funcionarios, guerreros, sacerdotes y poetas. La escuela del escultor Jocho fue continuada por Kokei, Kaikei y Unkei, el principal escultor de Kamakura. Estos artistas imbuyeron sus obras con un vigor y atención a detalles realistas que nunca se igualaron.

Takanobu y su hijo Nobuzane fueron los pintores de retratos más apreciados de la época. La mayoría del emakimono fino que sobrevive hoy es del período Kamakura. Estos rollos a menudo se ejecutan en forma narrativa continua, a menudo acompañada de texto, con las mismas figuras que aparecen muchas veces en un contexto unificado. Este método de representación fue utilizado con la máxima habilidad e imaginación en magníficos rollos como Tales of the Heiji Insurrection (s. XIII, Mus. Of Fine Arts, Boston). En esta forma de arte, los asuntos de las personas constituyen el foco principal del formato, ya sea que el tema sea religioso ( Shigisan-engi ) o secular (Tales of Ise).


El período de Muromachi

El período de Muromachi (1392-1573) marcó el comienzo de un renacimiento de la pintura a tinta al estilo chino. La secta zen del budismo, que gozó de una creciente popularidad en el período temprano de Kamakura, recibió el apoyo continuo de los nuevos gobernantes. La pintura con tinta fue aceptada como un medio para enseñar la doctrina Zen. Algunos sacerdotes pintores como Josetsu, Shubun y Sesshu son los paisajistas japoneses más venerados. Sus obras se caracterizan por su economía de ejecución, pinceladas contundentes y composición asimétrica, con énfasis en el espacio vacío. Durante este período, la escultura comenzó a perder su inspiración budista.


El período de Momoyama

La escultura arquitectónica estaba a la altura de la grandiosidad y la ostentación sin precedentes logradas en las pantallas pintadas del período de Momoyama (1568-1615). En este momento la guerra constante creó la necesidad de muchas fortalezas grandes. Sus interiores estaban profusamente decorados con pantallas pintadas en colores fuertes y gruesos sobre un fondo dorado. La familia de artistas de Kano logró fusionar la técnica de la pintura con tinta china con la calidad decorativa del arte japonés.


El período Edo hasta el siglo XX

La escuela de pintura comenzó en el período Edo (1615-1867) por Koetsu Hon'ami y Sotatsu Tawaraya y continuó por Ogata Korin y Ogata Kenzan representó un retorno a la tradición nativa de la pintura japonesa. The Deer Scroll (principios del siglo XVII, Seattle Art Mus.) De Koetsu y Sotatsu ejemplifica la feliz unión de la literatura, la caligrafía y la pintura. Una gran demanda de esculturas en miniatura en forma de botones ornamentales ( netsuke ) surgió en este momento, y se produjeron grandes obras maestras de talla. El grabado holandés llegó a Japón en este período e influyó en pintores como Okyo Maruyama, el líder de la escuela naturalista, que creó imágenes con perspectiva occidental.

Surgió un nuevo tipo de arte en forma de impresiones en bloque de madera conocidas como ukiyo-e (imágenes del mundo flotante fugaz), que apelaron primero al gusto de los grupos más bajos, pero más ricos, de la sociedad feudal. Los diseñadores de impresión en color finalmente ganaron reconocimiento mundial e influyeron en Degas, Whistler y muchos otros artistas occidentales. Entre los principales pintores de ukiyo-e se encuentran Harunobu, Kiyonaga, Utamaro, Hokusai e Hiroshige.


Arte japonés reciente

A mediados del siglo XIX algunos diseñadores de impresión obtuvieron distinción, pero ningún maestro parecía igualar a sus predecesores. En el siglo 20 la mayoría de los pintores y escultores han sido influenciados abrumadoramente por estilos occidentales. Los pintores japoneses contemporáneos como Taikan Yokoyama y Kiyoteru Kuroda han sido aclamados internacionalmente. En el lacado, la cerámica y las formas tradicionales textiles se han conservado, y la cerámica moderna japonesa es muy apreciada.