Naturaleza muerta
Naturaleza muerta, una representación pictórica de objetos inanimados. El término deriva del still-leven holandés del siglo XVII , que significa un objeto u objetos naturales inmóviles.
Evolución de la naturaleza muerta
Hasta el Renacimiento, los elementos de la naturaleza muerta, a menudo imbuidos de importancia simbólica o ritual, aparecían como materia subordinada en las pinturas religiosas o alegóricas. Los frescos y mosaicos helenísticos de Pérgamo, Alejandría, Roma y Pompeya incluían representaciones de plantas y alimentos en las que a menudo se hacía hincapié en un ilusionismo trampantojo. En las primeras pinturas religiosas cristianas y bizantinas, los elementos de la naturaleza muerta se manejaron de forma esquemática y simbólica hasta el final de la Edad Media. Las pinturas franco-flamencas de la época gótica tardía revelaron la estrecha observación de los detalles naturales, como se vio en gran parte de la iluminación del manuscrito de la época.
Al comienzo del Renacimiento italiano, tales detalles se manejaban mucho más formalmente y estaban completamente dominados por el tema religioso de la obra, como en las pinturas de Giotto. En el siglo 15 se utilizaron objetos de naturaleza muerta para realzar la ilusión de la perspectiva científica, un tema de apasionado estudio en el nuevo humanismo. En ese momento, la naturaleza muerta se convirtió en un género separado en Italia; fue usado con gran efecto por los maestros de la marquetería .
Fue en las obras religiosas de los maestros del norte de Europa que la reactivación del estudio de la naturaleza se reveló por completo. Van Eycks , Van der Weyden , Van der Goes y Robert Campin , por nombrar algunos, observaron cuidadosamente y registraron objetos de uso cotidiano y temas de la naturaleza. Los incorporaron a las obras religiosas, dándoles más y más importancia hasta que los elementos de la naturaleza muerta aparecieron en primer plano y disminuyeron el tema religioso o paisajístico, como en las obras de Aertsen y Beuckelaer.
Se crearon especialistas en el manejo de texturas o efectos específicos, como el vidrio, la piel, las plantas y la translucidez de las uvas. Donde los artistas italianos tenían comunicación con los maestros del norte, sus obras reflejaban el interés del norte por los temas de naturalezas muertas. La dirección de esta influencia se revirtió en el momento de Caravaggio. Las imágenes especializadas fueron las primeras naturalezas muertas separadas. Estos incluyeron trabajos sobre el tema vanitas vanitatum con calavera, reloj de arena, vela, libro y flores en su iconografía, así como las piezas de banquete que se hicieron populares entre los coleccionistas de 1600.
Naturaleza muerta en los siglos XVII a XIX
La naturaleza muerta se desarrolló como un género separado principalmente en los Países Bajos en las obras de Jan Bruegel, Rubens, Snyders y Rembrandt. En Francia, la naturaleza muerta se usó en el siglo XVII. principalmente para los ejercicios trompe l'oeil y no significativamente elevado hasta que recibió un brillante manejo por parte de Chardin en el siglo XVIII. Los maestros franceses del siglo XIX, incluidos Courbet y Cézanne, adoptaron las naturalezas muertas de todo corazón, dándoles un estatus igual al de sus otros súbditos. En los Estados Unidos, Harnett y Peto usaron naturalezas muertas para mostrar brillantes técnicas de trompe l'oeil.
Naturaleza muerta en el siglo XX
En el siglo 20 el tema más característico de los artistas americanos y europeos era la vida. Los artistas cubistas, Picasso , Braque y Gris , pintaron predominantemente temas de bodegones. Los artistas en muchas escuelas de pintura abstracta, comenzando con Cézanne y continuando hasta nuestros días, abandonaron la representación objetiva de la naturaleza muerta y desarrollaron innumerables variedades de tratamiento del tema, concentrándose en el color, la forma y la composición. De vez en cuando pintaban otros temas, aplicando a estos sus naturalezas estilísticas del bodegón. Los pintores del movimiento de arte pop y sus seguidores a menudo criticaron los valores sociales contemporáneos utilizando, casi exclusivamente, el tema de la naturaleza muerta. Eligieron objetos de cultura popular relevantes para su tesis, como latas de sopa y historietas.
Bodegón del este de Asia
En el este de Asia, los sujetos de las naturalezas muertas fueron representados ya en el siglo XI. Las obras chinas se distinguieron por una pincelada brillante y una ejecución rápida. Los objetos a menudo estaban dotados de una importancia simbólica tanto en las obras chinas como en las composiciones japonesas a menudo derivadas de ellas. La importancia de la representación ilusionista del objeto se minimizó en el arte de Asia oriental y, en general, su tratamiento de la naturaleza muerta no se corresponde con el del arte occidental.
Evolución de la naturaleza muerta
Hasta el Renacimiento, los elementos de la naturaleza muerta, a menudo imbuidos de importancia simbólica o ritual, aparecían como materia subordinada en las pinturas religiosas o alegóricas. Los frescos y mosaicos helenísticos de Pérgamo, Alejandría, Roma y Pompeya incluían representaciones de plantas y alimentos en las que a menudo se hacía hincapié en un ilusionismo trampantojo. En las primeras pinturas religiosas cristianas y bizantinas, los elementos de la naturaleza muerta se manejaron de forma esquemática y simbólica hasta el final de la Edad Media. Las pinturas franco-flamencas de la época gótica tardía revelaron la estrecha observación de los detalles naturales, como se vio en gran parte de la iluminación del manuscrito de la época.
Al comienzo del Renacimiento italiano, tales detalles se manejaban mucho más formalmente y estaban completamente dominados por el tema religioso de la obra, como en las pinturas de Giotto. En el siglo 15 se utilizaron objetos de naturaleza muerta para realzar la ilusión de la perspectiva científica, un tema de apasionado estudio en el nuevo humanismo. En ese momento, la naturaleza muerta se convirtió en un género separado en Italia; fue usado con gran efecto por los maestros de la marquetería .
Fue en las obras religiosas de los maestros del norte de Europa que la reactivación del estudio de la naturaleza se reveló por completo. Van Eycks , Van der Weyden , Van der Goes y Robert Campin , por nombrar algunos, observaron cuidadosamente y registraron objetos de uso cotidiano y temas de la naturaleza. Los incorporaron a las obras religiosas, dándoles más y más importancia hasta que los elementos de la naturaleza muerta aparecieron en primer plano y disminuyeron el tema religioso o paisajístico, como en las obras de Aertsen y Beuckelaer.
Se crearon especialistas en el manejo de texturas o efectos específicos, como el vidrio, la piel, las plantas y la translucidez de las uvas. Donde los artistas italianos tenían comunicación con los maestros del norte, sus obras reflejaban el interés del norte por los temas de naturalezas muertas. La dirección de esta influencia se revirtió en el momento de Caravaggio. Las imágenes especializadas fueron las primeras naturalezas muertas separadas. Estos incluyeron trabajos sobre el tema vanitas vanitatum con calavera, reloj de arena, vela, libro y flores en su iconografía, así como las piezas de banquete que se hicieron populares entre los coleccionistas de 1600.
Naturaleza muerta en los siglos XVII a XIX
La naturaleza muerta se desarrolló como un género separado principalmente en los Países Bajos en las obras de Jan Bruegel, Rubens, Snyders y Rembrandt. En Francia, la naturaleza muerta se usó en el siglo XVII. principalmente para los ejercicios trompe l'oeil y no significativamente elevado hasta que recibió un brillante manejo por parte de Chardin en el siglo XVIII. Los maestros franceses del siglo XIX, incluidos Courbet y Cézanne, adoptaron las naturalezas muertas de todo corazón, dándoles un estatus igual al de sus otros súbditos. En los Estados Unidos, Harnett y Peto usaron naturalezas muertas para mostrar brillantes técnicas de trompe l'oeil.
Naturaleza muerta en el siglo XX
En el siglo 20 el tema más característico de los artistas americanos y europeos era la vida. Los artistas cubistas, Picasso , Braque y Gris , pintaron predominantemente temas de bodegones. Los artistas en muchas escuelas de pintura abstracta, comenzando con Cézanne y continuando hasta nuestros días, abandonaron la representación objetiva de la naturaleza muerta y desarrollaron innumerables variedades de tratamiento del tema, concentrándose en el color, la forma y la composición. De vez en cuando pintaban otros temas, aplicando a estos sus naturalezas estilísticas del bodegón. Los pintores del movimiento de arte pop y sus seguidores a menudo criticaron los valores sociales contemporáneos utilizando, casi exclusivamente, el tema de la naturaleza muerta. Eligieron objetos de cultura popular relevantes para su tesis, como latas de sopa y historietas.
Bodegón del este de Asia
En el este de Asia, los sujetos de las naturalezas muertas fueron representados ya en el siglo XI. Las obras chinas se distinguieron por una pincelada brillante y una ejecución rápida. Los objetos a menudo estaban dotados de una importancia simbólica tanto en las obras chinas como en las composiciones japonesas a menudo derivadas de ellas. La importancia de la representación ilusionista del objeto se minimizó en el arte de Asia oriental y, en general, su tratamiento de la naturaleza muerta no se corresponde con el del arte occidental.
