Arte italiano

Arte italiano, obras de arte producidas en la región geográfica que ahora constituye la nación de Italia. El arte italiano ha generado un gran interés y una gran participación del público, dando como resultado la producción constante de obras monumentales y espectaculares. Además, el arte italiano casi siempre ha estado estrechamente relacionado con las corrientes intelectuales y / o religiosas de su época, al tiempo que conserva su notable pasado como una fuente continua de inspiración.


La época medieval

A lo largo de la Edad Media, el arte italiano consistió principalmente en decoraciones arquitectónicas (frescos y mosaicos). El arte bizantino en Italia era una decoración altamente formal y refinada con una caligrafía estandarizada y un admirable uso del color y el oro. Hasta el siglo 13, el arte en Italia era casi totalmente regional, afectado por las corrientes externas europeas y orientales. Después de c.1250, el arte de las diversas regiones desarrolló características en común, de modo que se puede observar una cierta unidad y una gran originalidad.


El quattrocento

En la segunda década del siglo XV. Italia, principalmente Florencia, tomó la delantera en la formación de un arte que afectaría profundamente a Europa durante más de 500 años (ver Arte y arquitectura del Renacimiento ). La estabilidad política se estableció en varias regiones, y las poderosas familias gobernantes produjeron los patrones del arte que hicieron posible el florecimiento artístico. Donatello, Brunelleschi y Alberti fueron de los primeros en mirar conscientemente la antigüedad clásica como modelo para su trabajo. Ellos, con Masaccio, cuyo estilo recuerda la monumentalidad de Giotto, comenzaron a idear el sistema óptico de perspectiva . También establecieron un alto estándar artístico que fue emulado por las generaciones sucesivas.

En la primera mitad del siglo XV. El escultor Lorenzo Ghiberti embelleció el bautisterio florentino con sus espléndidas puertas de bronce, ganando la comisión en competencia contra otro gran escultor y arquitecto, Filippo Brunelleschi. Otros escultores, como Desiderio da Settignano, Antonio Rossellino y Bertoldo di Giovanni, llevaron la tradición establecida por Donatello a Miguel Ángel, mientras que el taller de Della Robbias durante el siglo XV. Produjo una gran cantidad de magníficas esculturas en relieve de terracota. Los pintores toscanos, incluidos Fra Angélico y Fra Filippo Lippi, crearon obras de exquisito color. Paolo Uccello y Andrea del Castagno contribuyeron a mejorar la comprensión de las leyes de la perspectiva.

Domenico Veneziano y Piero della Francesca se sintieron atraídos por Florencia, mientras que artistas florentinos como Donatello y Fra Filippo Lippi se aventuraron en Italia. En la segunda mitad del quattrocento, las escuelas en el norte de Italia comenzaron a florecer. Squarcione fue el maestro de muchos pintores, entre ellos Carlo Crivelli y el poderoso maestro Andrea Mantegna, quienes pintaron magníficos frescos para iglesias y palacios en Padua y Mantua. Su suegro, Jacopo Bellini, un excelente dibujante, tuvo dos hijos, Gentile y Giovanni Bellini, quienes continuaron su taller veneciano. Gentile pintó detalladas y encantadoras escenas de Venecia, al igual que Carpaccio. Giovanni Bellini inició un siglo de grandeza veneciana con la riqueza de color por la que Venecia se hizo famosa.

La familia Vivarini produjo pinturas que se distinguen por un color brillante y translúcido. Antonello da Messina, un siciliano que estuvo brevemente en Venecia, fue uno de los primeros italianos en utilizar el medio de la pintura al óleo, con un efecto notable. El impacto del estilo de Mantegna se sintió en Ferrara en las pinturas de Cosimo Tura, Francesco del Cossa y Ercole de 'Roberti. En Siena durante el siglo XV. los artistas más importantes fueron Sassetta, Giovanni di Paolo, Francesco di Giorgio y el escultor Vecchietta.

La última mitad del quattrocento en Florencia fue testigo del surgimiento de un grupo de pintores célebres por su estilo lírico, Botticelli, Filippino Lippi y Baldovinetti, además de los maestros más austeros Signorelli y Antonio Pollaiuolo. Perugino y particularmente Melozzo da Forlì fueron algunos de los pintores notables de Umbría. Benozzo Gozzoli y Ghirlandaio decoraron Florencia con exquisitos frescos narrativos. El escultor florentino Verrocchio infundió sus obras con una nueva vitalidad y sentido del drama. Pero en los años a la vuelta del siglo XVI. Las obras de estos artistas fueron reducidas en importancia a medida que emergían las figuras del Alto Renacimiento.


El alto renacimiento

Miguel Ángel, Leonardo da Vinci y Rafael compitieron entre sí en Florencia y en Roma para crear un arte perfecto. Las madonnas y los retratos idealizados de Rafael y sus frescos del Vaticano ejercieron una tremenda influencia sobre los artistas europeos. Si bien sus obras se han reducido totalmente a la realidad, muchos de los esquemas artísticos completos de Miguel Ángel y Leonardo permanecen en gran parte en el papel.

Leonardo ha dejado solo un pequeño grupo de magníficas pinturas de caballete y un gran pero deteriorado fresco, La última cena en Milán. Su genio incomparable, increíblemente versátil se revela más claramente en sus cuadernos, repletos de planes extraordinarios de todas las variedades. El magnífico techo de Miguel Ángel y el Juicio Final para la Capilla Sixtina del Vaticano son los únicos proyectos monumentales en pintura, escultura o arquitectura que se materializaron de acuerdo con sus planes. La mayoría de sus obras maestras escultóricas son fragmentos de vastos diseños que nunca fueron ejecutados en su totalidad.


Manierismo

A principios del siglo XVI. parte de la grandeza de los artistas del Alto Renacimiento se reflejó en las obras de Andrea del Sarto, Sebastiano del Piombo y Fra Bartolommeo, pero otros seguidores de los grandes maestros en Roma, en Florencia, y en otros lugares desarrollaron un estilo complejo, a veces extraño, en su propio derecho conocido como manierismo. Entre ellos se encontraban los pintores Pontormo, Giulio Romano, Parmigianino, Il Rosso, Primaticcio y luego Bronzino y Vasari, así como los escultores Giovanni Bologna, Bandinelli, Ammanati, Buontalenti y Benvenuto Cellini. Por la segunda mitad del siglo XVI. el estilo manierista se había convertido en un académico bastante seco, visto en los trabajos de la familia Zuccari.


El período barroco

A principios del siglo XVII. Roma se convirtió en el centro de una renovación del dominio italiano en las artes. En Parma, Correggio decoró las bóvedas de la iglesia con figuras animadas que flotaban suavemente sobre las nubes, un esquema que iba a tener una profunda influencia en las pinturas barrocas del techo. Las tormentosas pinturas de claroscuro de Caravaggio y las pinturas robustas e ilusionistas de la familia boloñesa de Carracci dieron origen al barroco en el arte italiano. Domenichino, Francesco Albani y más tarde Andrea Sacchi estuvieron entre los que llevaron a cabo las implicaciones clásicas en el arte de Carracci.

Por otro lado, Guido Reni, Guercino, Gentileschi, Lanfranco, y más tarde Pietro da Cortona y Padre Pozzo, aunque bien entrenados en un modo clásico-alegórico, se inclinaron al principio para pintar composiciones dinámicas llenas de figuras gesticulantes de una manera más cercana a La de Caravaggio. El gran virtuoso de la exuberancia barroca y la grandeza en escultura y arquitectura fue Bernini. Hacia 1640, muchos de los pintores se inclinaron por el estilo clásico que había sacado a relucir en Roma el expatriado francés Nicolas Poussin. Los escultores Alessandro Algardi y el flamenco François Duquenoy también tendieron hacia lo clásico. Los artistas barrocos tardíos notables incluyen los genoveses Gaulli y los napolitanos Luca Giordano y Francesco Solimena.


Arte moderno italiano

A finales del siglo XVIII y XIX. Italia continuó sirviendo como una escuela de entrenamiento para los artistas del mundo, pero tendía a descansar en sus laureles. A mediados del siglo XIX. El grupo conocido como Macchiaioli dio nueva vida a los temas de paisaje y género . A principios del siglo XX. los exponentes del futurismo desarrollaron una visión dinámica del mundo moderno, mientras que Chirico expresó una extraña quietud metafísica y Modigliani se unió a la escuela de París . Dotados artistas modernos incluyen los escultores Giacomo Manzù, Marino Marini, el pintor de bodegones Giorgio Morandi y el pintor iconoclasta Lucio Fontana. En la segunda mitad del siglo XX. Los diseñadores italianos, en particular los de Milán, han influido profundamente en los estilos internacionales con sus trabajos funcionales imaginativos e ingeniosos.


El período rococó

Las principales luces del siglo XVIII. venia de venecia Entre ellos se encontraban el brillante exponente del estilo rococó , Tiepolo; los pintores arquitectónicos Guardi, Canaletto, Piazzetta y Bellotto; y el grabador de antigüedades romanas, Piranesi. El paisaje fantástico se puso de moda en las obras de Castiglione y Magnasco, quienes trabajaron en Nápoles.


La pintura veneciana

Venecia fue relativamente afectada por las formas elegantes y tortuosas de manierismo. A principios del siglo XVI. dos superlativos maestros venecianos, el misterioso y efímero Giorgione y el longanero y prolífico Tiziano, continuaron la tradición establecida por Giovanni Bellini de colores suntuosos y poéticos. Crearon figuras sensuales cuyos contornos se fundieron en paisajes luminosos y atmosféricos. Sus efectos estilísticos influyeron en las obras de Palma Vecchio, Pordenone, la familia Bassano, el Ferrarese Dosso Dossi y las lujosas escenas de banquetes de Paolo Veronese. Solo Tintoretto se apartó de los armoniosos lienzos que eran típicos de los venecianos. En su lugar, creó formas retorcidas, dramáticas y alargadas, relacionadas con las de los manieristas pero más vigorosamente concebidas.


Los comienzos del arte renacentista italiano

Los principales pintores, entre ellos Guido de Siena, Cimabue y Duccio di Buoninsegna, aunque conservaron muchas de las convenciones bizantinas, introdujeron un nuevo naturalismo y un atractivo más directo a las emociones humanas. El mismo espíritu se ve en la poderosa escultura de Nicola Pisano. Hizo uso de elementos de la antigüedad clásica, como lo hizo Pietro Cavallini en sus pinturas al fresco en Roma.

Pero es con Giotto di Bondone, un contemporáneo de Dante, que el nuevo cuadro cobra vida y calidez. Su estilo, perfeccionado c.1300, determinó el futuro curso de arte en Italia. Sus seguidores inmediatos, Taddeo Gaddi, Bernardo Daddi, Giottino y otros difundieron sus enseñanzas y técnicas. Simultáneamente, el arte floreció en Siena en el siglo XIV, siguiendo el ejemplo de Duccio y desarrollando un estilo más gótico. Entre los magníficos artistas de la escuela de Siena se encuentran los pintores Simone Martini y los hermanos Pietro y Ambrogio Lorenzetti y los escultores Giovanni Pisano y Arnolfo di Cambio.

The Black Death (1348) redujo severamente la productividad artística para las próximas dos generaciones. Los frescos apocalípticos fueron creados durante este tiempo por Andrea Orcagna en Florencia y por Francesco Traini en Pisa. El contenido pesimista de este arte fue reemplazado a principios del siglo XV. por una elegante forma conocida como el estilo internacional (ver arquitectura y arte gótico ), que se manifiesta en las obras de Lorenzo Monaco, Gentile da Fabriano, Masolino da Panicale y, en cierta medida, Pisanello.