Fotografía

Fotografía, ciencia y arte de realizar imágenes permanentes sobre materiales sensibles a la luz.


El proceso del colodión

El dilema de detalle versus reproducibilidad fue resuelto en 1851 por un inglés, Frederick Scott Archer, quien introdujo el proceso de colodión. Este método, también conocido como la técnica de la placa húmeda , implicaba recubrir una placa de vidrio con yoduro de plata en suspensión, exponerla mientras aún estaba húmeda y revelarla inmediatamente. Una vez fijada y seca, la placa de vidrio se cubrió con una película fina y flexible que contenía la imagen en negativo, cuya definición y detalle se acercaba a la del daguerrotipo. Como este proceso fusionó las ventajas de sus dos predecesores, fue adoptado universalmente en muy poco tiempo.


El impacto de la fotografía temprana

Con la llegada del proceso de colodión, se produjo la producción y difusión masiva de impresiones fotográficas. El inicio de estos documentos visuales de la historia personal y pública engendró grandes cambios en la percepción que la gente tiene de la historia, del tiempo y de sí misma. El concepto de privacidad se modificó en gran medida cuando se utilizaron cámaras para grabar la mayoría de las áreas de la vida humana. La omnipresente presencia de maquinaria fotográfica finalmente cambió el sentido de la humanidad de lo que era adecuado para la observación. La fotografía se consideró prueba incontestable de un hecho, experiencia o estado del ser.

Para satisfacer la creciente e incesante demanda de más imágenes, los fotógrafos se dispersaron por todos los rincones del mundo, registrando todos los fenómenos naturales y manufacturados que pudieron encontrar. Para el último cuarto del siglo XIX. la mayoría de los hogares podían presumir de colecciones fotográficas respetables. Estos tenían tres formas principales: el álbum familiar, que contenía retratos de gabinete y las cartes-de-visite y tintypes más pequeños; álbumes de recortes que contienen impresiones grandes de vistas de diversas partes del mundo; y cajas de tarjetas estereoscópicas, que en combinación con el popular visor estéreo crearon una ilusión efectiva de tridimensionalidad.

Varios fotógrafos, incluidos Timothy O'Sullivan, JK Hillers y WH Jackson, acompañaron expediciones exploratorias a las nuevas fronteras del oeste americano, mientras que John Thomson regresó de China y Maxime Du Camp de Egipto con registros de paisajes y pueblos nunca antes vistos. visto por los ojos occidentales. Roger Fenton, que fotografió el conflicto de Crimea, y el cuerpo fotográfico de Mathew Brady, que documentó la Guerra Civil estadounidense, proporcionaron pruebas gráficas de lo infernal del combate.


La estética de la fotografía

Buscando determinar la estética particular de la fotografía, la estadounidense Berenice Abbott y los franceses Eugène Atget, André Kertész y Henri Cartier-Bresson desarrollaron estilos intensamente personales. Los exponentes del surrealismo en Francia y del futurismo en Italia y los diversos movimientos artísticos alemanes que se centraron en la Bauhaus exploraron el medio de la fotografía. La exposición internacional Film und Foto, celebrada en Stuttgart en 1929, ayudó a formalizar una estética puramente fotográfica. Las obras exhibieron elementos combinados de funcionalismoy abstracción. El tema fotográfico pasó del pasado al presente: un presente de nuevas formas en la maquinaria y la arquitectura, una nueva preocupación por la experiencia de las clases trabajadoras y un nuevo interés por las formas intemporales de la naturaleza.

En California durante las décadas de 1920 y 1930, Edward Weston y un puñado de espíritus afines fundaron el f/ 64 grupo, que toma su nombre de la apertura de lente más pequeña, la que proporciona la mayor precisión de línea y detalle. Este pequeño grupo no oficial —que incluía a Imogen Cunningham, Ansel Adams y Willard Van Dyke— llegó a dominar el arte fotográfico, eclipsando la estética pictórica. Ellos y sus imitadores evitaron todo trabajo manual posterior a la exposición y trabajaron con 8 × 10 pulgadas. ver cámaras para obtener los negativos más grandes posibles a partir de los cuales hacer impresiones de contacto sencillas. Limitaron su tema a cosas estáticas: la naturaleza muerta, el paisaje lejano o visto de cerca y el retrato formal. El influyente maestro Minor White se hizo conocido por su trabajo poético y visionario relacionado en técnica con este enfoque directo.


El Calotipo

El negativo de papel del calotipo hizo posible la reproducción de imágenes fotográficas. La base de papel inevitablemente tosca para el negativo, sin embargo, eliminó el delicado detalle que hacía tan atractivo el daguerrotipo. Esta falta de precisión fue comprendida y aprovechada por el pintor escocés David Octavius Hill y su asistente, Robert Adamson. De 1843 a 1848 realizaron una extensa serie de retratos en calotipo de clérigos escoceses, destinados a servir únicamente como estudios para un retrato de grupo al óleo, que se encuentra hoy entre los principales cuerpos de trabajo en el medio. Hill y Adamson compusieron sus retratos en planos amplios, yuxtaponiendo masas audaces de luz y oscuridad, creando obras que son monumentales en sentimiento a pesar de su pequeño tamaño.


Otros aspectos de la fotografía

En el mundo contemporáneo, las aplicaciones prácticas del medio fotográfico son innumerables: es una herramienta importante en la educación, la medicina, el comercio, la criminología y el ejército. Sus aplicaciones científicas incluyen cartografía y topografía aérea, geología, reconocimiento, meteorología, arqueología y antropología. Nuevas técnicas como la holografía , un medio para crear una imagen tridimensional en el espacio, continúan expandiendo los horizontes tecnológicos y creativos del medio. En astronomía, el dispositivo de carga acoplada (CCD) puede detectar y registrar incluso un solo fotón de luz.


Fotografía artística y documental

La lucha por certificar la fotografía como una obra de arte ha sido una de las preocupaciones filosóficas dominantes del medio desde sus inicios. La legitimidad de la fotografía como forma de arte fue cuestionada por artistas y críticos, quienes aprovecharon los aspectos mecánicos y químicos del proceso fotográfico como prueba de que la fotografía era, en el mejor de los casos, un oficio. Quizás debido a que muchos pintores llegaron a depender tanto de la fotografía como fuente de imágenes, insistieron en que la fotografía solo podía ser una ayudante de las artes.

Para demostrar que la fotografía era un arte, los fotógrafos al principio imitaron la pintura de la época. Fotógrafos como OJ Rejlander y Henry Peach Robinson lograron una enorme popularidad, quienes crearon escenas de género sentimental imprimiendo a partir de múltiples negativos. Julia Margaret Cameron difumina sus imágenes para lograr una suavidad pictórica en las líneas, creando una serie de retratos de enfoque suave notablemente poderosos de sus célebres amigos.

En oposición a la estética pictórica en la fotografía estaba PH Emerson y otros primeros defensores de lo que desde entonces se conoce como fotografía directa . Según este enfoque, la imagen fotográfica no debe ser manipulada ni sometida a trabajos manuales u otras afectaciones para que no pierda su integridad. Emerson propuso esta filosofía en su controvertido e influyente libro, Fotografía naturalista (1889). Apropiadamente, Emerson fue el primero en reconocer la importancia del trabajo de Alfred Stieglitz, quien luchó por el lugar de la fotografía entre las artes durante la primera parte del siglo XX.

En rebelión contra la imitación arraigada de la pintura de género conocida como fotografía de salón , Stieglitz fundó un movimiento al que llamó Foto-Secesión, relacionado con los movimientos radicales de secesión en la pintura. Inició la publicación de una revista, Camera Work (1903–17), que fue un foro para la Foto-Secesión y para la opinión ilustrada y el pensamiento crítico en todas las artes. Sigue siendo el trimestral fotográfico más suntuosa y meticulosamente producido en la historia del medio. En la ciudad de Nueva York, Stieglitz abrió tres galerías, la primera (1908-17) llamada 291(de su dirección en 291 Fifth Ave.), luego la Intimate Gallery (1925–30) y An American Place (1930–46), donde el trabajo fotográfico se colgó junto al trabajo contemporáneo, a menudo controvertido, en otros medios.

Las fotografías del propio Stieglitz y las de varios otros foto-secesionistas: Edward Steichen, uno de sus primeros protegidos; Frederick Evans, el fotógrafo de arquitectura británico; y el retratista Alvin L. Coburn, se adhirió con relativo rigor a una estética recta . La calidad de sus obras, a pesar de una omnipresente autoconciencia, fue consistentemente de la más alta artesanía. La preocupación primordial de Stieglitz por el arte conceptual por el arte lo mantuvo a él, y al público que construyó para el medio, de una apreciación de una rama igualmente importante de la fotografía: el documental.

El poder de la fotografía como registro se demostró en el siglo XIX, como cuando las fotografías de William H. Jackson del área de Yellowstone persuadieron al Congreso de los Estados Unidos de dejar ese territorio a un lado como parque nacional. A principios del siglo XX. fotógrafos y periodistas comenzaban a utilizar el medio para informar al público sobre temas cruciales para generar un cambio social.

Tomando como precedentes el trabajo de hombres como Jackson y el reportero Jacob Riis (cuyas fotografías de los barrios bajos de la ciudad de Nueva York resultaron en una legislación muy necesaria), documentalistas como Lewis Hine y James Van DerZee comenzaron a construir una tradición fotográfica cuyas preocupaciones centrales tenían poco que ver con el concepto de arte. El fotoperiodista buscó construir, fortalecer o cambiar la opinión pública mediante imágenes novedosas, a menudo impactantes. La forma acabada de la imagen documental era el múltiplo económico, la reproducción de la revista o del periódico. Durante un tiempo, las dos tradiciones, la fotografía artística y la fotografía documental, parecieron fusionarse en el trabajo de un hombre, Paul Strand. Las obras de Strand combinaron una preocupación documental con una visión modernista y esbelta relacionada con el arte de vanguardia de Europa.


Tecnología digital

A finales del siglo XX. La imagen y el procesamiento digitales y las técnicas informáticas habían hecho posible manipular imágenes de muchas formas, creando cambios revolucionarios en la fotografía. La tecnología digital permitió un cambio fundamental en la naturaleza de la técnica fotográfica. En lugar de que la luz pase a través de una lente e impacte la emulsión en la película, la fotografía digital utiliza sensores y filtros de color. En una técnica, se colocan tres filtros en un patrón de mosaico sobre la capa fotosensible. Cada filtro permite que solo un color (rojo, verde o azul) pase al píxel debajo de él. En la otra técnica, se incrustan tres capas fotosensibles separadas en silicio. Dado que el silicio absorbe diferentes colores a diferentes profundidades, cada capa permite que pase un color diferente. Cuando se apilan juntos, se obtiene un píxel a todo color. En ambas técnicas, el material fotosensible convierte las imágenes en una serie de números que luego se traducen de nuevo a valores tonales y se imprimen. Mediante el uso de computadoras, se pueden cambiar fácilmente varios números, alterando así los colores, reorganizando elementos pictóricos o combinando fotografías con otros tipos de imágenes. Algunas cámaras digitales graban directamente en discos de computadora o en una computadora, donde las imágenes se pueden manipular a voluntad.


La invención de la fotografía

El primer avance necesario en la fotografía se dio en un área diferente, no centrada en los ojos: la de hacer imágenes fotográficas permanentes. Utilizando datos de las investigaciones de Johann Heinrich Schulze, quien en 1727 descubrió que el nitrato de plata se oscurecía con la exposición a la luz, Thomas Wedgwood y Sir Humphry Davy , a principios del siglo XIX, crearon lo que ahora llamamos fotogramas. Estos se hicieron colocando una variedad de objetos en papel empapado en nitrato de plata y exponiéndolos a la luz solar. Las áreas del papel cubiertas por los objetos permanecieron blancas; el resto se ennegreció tras la exposición a la luz. Sin embargo, Davy y Wedgwood no encontraron forma de detener la acción química en esta etapa, y sus imágenes duraron poco tiempo antes de oscurecerse por completo.

Los principios, procesos y materiales básicos de la fotografía fueron descubiertos virtualmente simultáneamente por un grupo diverso de personas de diferentes nacionalidades, que trabajaban en su mayor parte de forma totalmente independiente entre sí. Los resultados de sus experimentos se fusionaron en la primera mitad del siglo XIX, creando una herramienta de comunicación que llegaría a ser tan poderosa y significativa como la imprenta. Cuatro hombres figuran principalmente en el establecimiento de los rudimentos de la ciencia fotográfica.

El físico francés Joseph Nicéphore Niépce hizo el primer negativo (sobre papel) en 1816 y la primera fotografía conocida (sobre metal; la llamó heliógrafo) en 1826. En esta última fecha había dirigido sus investigaciones lejos de las superficies de papel y negativos (habiendo inventado, mientras tanto, lo que ahora se llama el proceso de fotograbado de reproducción mecánica) y hacia superficies metálicas sensibilizadas. En 1827 Niépce había comenzado también su asociación con Louis Jacques Mandé Daguerre, un pintor francés que había estado experimentando en líneas paralelas. Se formó una sociedad y colaboraron hasta la muerte de Niépce en 1833, tras lo cual Daguerre continuó su trabajo durante los siguientes seis años. En 1839 anunció la invención de un método para hacer una imagen positiva directa en una placa de plata: el daguerrotipo.

El anuncio de Daguerre fue una fuente de consternación para el científico inglés William Henry Fox Talbot , quien había estado experimentando de forma independiente en líneas relacionadas durante años. Talbot había desarrollado un método para hacer un papel negativo a partir del cual se podían crear un número infinito de positivos en papel. También había elaborado una técnica eficaz aunque imperfecta para fijar permanentemente sus imágenes. Preocupado por la posibilidad de perder los derechos sobre su propia invención, el proceso de calotipo, Talbot escribió a la Academia de Ciencias de Francia, afirmando la prioridad de su propia invención. Luego no perdió tiempo en presentar sus investigaciones a la Royal Society de Inglaterra, de la que era un miembro distinguido.

Los tres pioneros, Niépce, Daguerre y Talbot, junto con Sir John Herschel, quien en 1819 descubrió la idoneidad del hiposulfito de soda, o hipo, como agente fijador de imágenes en papel sensibilizadas y a quien generalmente se le atribuye el mérito de haber dado al nuevo medio su nombre — merecen compartir el título Inventor de la fotografía. Cada uno hizo una contribución vital y única a la invención del proceso fotográfico. El proceso desarrollado por Daguerre y Niépce fue, en un gran gesto, comprado por el gobierno francés y entregado, libre de restricciones de patentes, al mundo. Talbot patentó su propio proceso y luego publicó una descripción del mismo, titulada El lápiz de la naturaleza.(1844-1846). Este libro, que contiene 24 copias originales, fue el primero que se ilustró con fotografías.


Desarrollos iniciales

La cámara en sí se basa en principios ópticos conocidos al menos desde la época de Aristóteles; de hecho, a mediados del siglo XVI se utilizaba una versión sin película como dispositivo de dibujo para los artistas. Llamada cámara oscura (lat., = Cámara oscura), consistía en una pequeña caja a prueba de luz con un orificio o lente en un lado y una pantalla translúcida en el lado opuesto. Esta pantalla registró, de una manera adecuada para rastrear, la imagen invertida transmitida a través de la lente. El ojo humano fue el prototipo de este dispositivo, que funcionaba como una extensión primitiva de la vista. La mayoría de los experimentos en tecnología fotográfica se dirigieron a perfeccionar el medio como un ojo sustituto más sofisticado.


Fotografía moderna

Después de la guerra, los museos y las escuelas de arte abrieron sus puertas a la fotografía, una tendencia que ha continuado hasta la actualidad. Los fotógrafos comenzaron a liberarse de las opresivas restricciones de los modos de expresión puramente estéticos y documentales. Como lo ejemplifica Robert Frank en su muy influyente ensayo fotográfico de longitud de libro, The Americans (1959), los nuevos documentalistas comenzaron a investigar lo que se ha llamado el paisaje social, reflejando a menudo en sus imágenes la ansiedad y la alienación de la vida urbana. Tal introspección condujo naturalmente a una forma cada vez más personal de fotografía documental, como en las obras de JH Lartigue y Diane Arbus.

Muchos fotógrafos jóvenes sintieron poca inhibición contra el trabajo manual, el collage, las imágenes múltiples y otras formas que eran un anatema para los practicantes de la estética recta. Desde la década de 1960, la fotografía se ha convertido en un medio cada vez más dominante dentro de las artes visuales. Muchos pintores y grabadores, incluidos Andy Warhol , Robert Rauschenberg y David Hockney, han combinado la fotografía con otros modos de expresión, incluida la imagen por computadora en composiciones de técnica mixta a gran y pequeña escala. Los fotógrafos contemporáneos que utilizan métodos más tradicionales para explorar temas no tradicionales incluyen a Cindy Sherman y Richard Prince.

La década de 1990 trajo el primer intento de proporcionar un sistema fotográfico completamente integrado. Dirigido al fotógrafo aficionado, el Advanced Photo System (APS) fue desarrollado por un consorcio internacional de fabricantes de cámaras y películas. La piedra angular del nuevo sistema es un revestimiento magnético que permite que la cámara, la película y el equipo de fotoacabado se comuniquen. Las cámaras se cargan automáticamente, se pueden cambiar entre tres formatos diferentes (clásico, o 4 por 6 pulgadas; alta visión, o 4 por 7 pulgadas; y panorámicas, o 4 por 11,5 pulgadas), y son completamente automáticas ( enfoque automático, exposición automática: apuntar y disparar). La película es un nuevo tamaño más pequeño (24 mm), tiene una base de plástico de poliéster mejorada y dos tiras magnéticas que registran los parámetros de exposición y encuadre de cada imagen y permiten al usuario agregar una breve notación a cada cuadro. El equipo de fotoacabado puede leer los datos magnéticos de la película y ajustar el revelado de cada negativo para compensar las condiciones. Después del procesamiento, los negativos (que aún están en el casete) se devuelven junto con las fotografías y una hoja índice de impresiones de contacto del tamaño de una miniatura entre las que se pueden seleccionar reimpresiones y ampliaciones.


El daguerrotipo

La daguerreotipia se extendió rápidamente, excepto en Inglaterra, donde Daguerre había patentado en secreto su proceso antes de venderlo al gobierno francés. Los problemas legales relacionados con el ejercicio de la fotografía como profesión explican en parte la influencia generalizada de los aficionados (p. Ej., Nadar, el fotógrafo pionero francés) sobre el desarrollo temprano del medio. La popularidad del daguerrotipo se debe a dos factores principales. El primero de ellos fue la pasión victoriana por la novedad y por la acumulación de objetos materiales, que encontró su paradigma perfecto en estas miniaturas plateadas y exquisitamente detalladas. El segundo fue la demanda cada vez mayor de una clase media en ascenso de retratos familiares cualitativamente buenos pero, en comparación con los honorarios de un pintor, económicos. El tipo de estaño más barato finalmente hizo que tales semejanzas estuvieran disponibles para todos.

La principal deficiencia del daguerrotipo y sus variantes era inherente a su naturaleza de positivo directo. Único e irreproducible, no podría servir para la producción de ninguna imagen destinada a una amplia distribución. Este factor, combinado con el largo tiempo de exposición requerido por el proceso, restringió su función al retrato . La gran mayoría de los daguerrotipos supervivientes son retratos; las imágenes de cualquier otro tema son extremadamente raras. Sin embargo, durante 20 años el daguerrotipo eclipsó por completo la mayor utilidad del calotipo. En los Estados Unidos, donde fue igualmente popular, el daguerrotipo fue promovido por John W. Draper y Samuel FB Morse .


Nuevos desarrollos

EJ Marey, el pintor Thomas Eakins y Eadweard Muybridge idearon todos los medios para hacer fotografías stop-action que demostraron la brecha entre lo que la mente cree que ve y lo que el ojo realmente percibe. La obra principal de Muybridge, Animal Locomotion (1887), sigue siendo una fuente básica tanto para artistas como para científicos. A medida que se perfeccionaron las lentes accesorias, la visión de la cámara se amplió tanto telescópicamente como microscópicamente; la luna y el microorganismo se hicieron accesibles como imágenes fotográficas.

La introducción del proceso de medios tonos (ver fotograbado ; impresión ) en 1881 hizo posible la reproducción precisa de fotografías en libros y periódicos. En combinación con las nuevas mejoras en la tecnología fotográfica, incluidas las placas secas y las cámaras más pequeñas, que hicieron que la fotografía sea más rápida y menos engorrosa, el medio tono hizo factible el reportaje inmediato y allanó el camino para la fotografía de noticias. La introducción de George Eastman en 1888 de la película en rollo y la simple cámara de caja Kodak proporcionó a todos los medios para hacer fotografías por sí mismos. Mientras tanto, los estudios de sensitometría, la nueva ciencia de los materiales sensibles a la luz, hicieron que la exposición y el procesamiento fueran más prácticos.


El impacto de la nueva tecnología

El desarrollo de la cámara de 35 mm o sincera por Oskar Barnack de la empresa Ernst Leitz, comercializada por primera vez en 1925, hizo que los documentalistas fueran infinitamente más móviles y menos llamativos, mientras que la fabricación de una película en blanco y negro más rápida les permitió trabajar sin un flash en situaciones con un mínimo de luz. La película en color para transparencias (diapositivas) se introdujo en 1935 y la película negativa en color en 1942. Se perfeccionó el equipo de iluminación portátil y en 1947 se comercializó la cámara Polaroid Land, que podía producir una impresión positiva en segundos. Todos estos avances tecnológicos le otorgaron al fotoperiodista una versatilidad enorme y sin precedentes.

La llegada de revistas ilustradas de gran circulación, como Life (iniciada en 1936) y Look(iniciado en 1937), proporcionó una salida y una amplia audiencia para el trabajo documental. Al mismo tiempo, un flujo constante de convulsivos eventos nacionales e internacionales proporcionó una gran cantidad de material para el ensayo fotográfico extenso, el modo natural del documentalista. Uno de ellos fue la Gran Depresión de la década de 1930, que resultó ser la fuente de un importante cuerpo de trabajo documental. Bajo el liderazgo de Roy Stryker, la división fotográfica de la Farm Security Administration (FSA) comenzó a hacer un archivo de imágenes de Estados Unidos durante esta época de crisis. Walker Evans, Arthur Rothstein, Russell Lee y Dorothea Lange del grupo FSA fotografiaron la desintegración cultural generada por la Depresión y la desaparición concomitante de los estilos de vida rurales.

Con la llegada de los fotógrafos de la Segunda Guerra Mundial, incluidos Margaret Bourke-White, Edward Steichen, W. Eugene Smith, Lee Miller y Robert Capa, documentaron el conflicto global. La guerra también fue un estímulo para la fotografía de otras formas. Desde el análisis de estrés de los metales hasta la vigilancia aérea, el medio fue una herramienta crucial en muchas áreas del esfuerzo bélico y, en la urgencia de la guerra, se realizaron numerosos descubrimientos y avances tecnológicos que finalmente beneficiaron a todos los fotógrafos.





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